INQUIETANTES DEPECHE MODE

Depeche Mode publican nuevo disco el próximo 20 de abril. Su nombre "Sounds of the universe". El álbum ha sido producido por Ben Hillier (Blur, Elbow, Doves o los propios Depeche Mode en su anterior disco, "Playing the angel") y grabado en Santa Barbara y Nueva York. El primer single extraído de "Sound of the universe" es "Wrong" que cuenta con un fascinante videoclip que nos ha sorprendido a todos, dirigido por Patrick Daughters, que es el reponsable de clips de Interpol ("No I in Threesome"), The Shins ("Phantom limb") y casi todos los de Feist.

La banda de Dave Gahan estará presentando el álbum con su gira "Tour of the universe" que tiene programadas tres fechas en España:

08 de Julio, Valladolid (Estadio José Zorrilla)

09 de Julio, Bilbao BBK

12 de Julio, Sevilla (Estadio Olímpico)

Aquí os dejamos el videoclip de "Wrong".

GOLPE AL SUEÑO AMERICANO

Basada en la novela “Vía revolucionaria” escrita por Richard Yates, su adaptación cinematográfica, “Revolutionary road”, narra la vida en pareja de un matrimonio de clase media en la America idílica de casas blancas y con jardines perfectamente recortados de los años 50. Frank Wheeler (un Leonardo Di Caprio esforzadísimo en su intento de que olvidemos su apariencia infantil, poco adecuada para el papel) ha renunciado a sus ambiciones y le encontramos convertido en un gris y resignado oficinista. Mientras tanto su esposa April (Kate Winslet, brillante sin esfuerzo aparente), pésima actriz reconvertida en frustrada ama de casa, no se resigna a una vida insatisfactoria y dominada por la mediocridad. Una huida sin billete de vuelta a París representa para ellos (y para sus dos hijos casi invisibles) el fin de esa vida monótona y la materialización de todos sus sueños de juventud. Una última oportunidad que naturalmente dejarán escapar.

Como ya hiciera en su ópera prima “American beauty”, el director Sam Mendes lleva a cabo un implacable análisis del sueño americano representado en los barrios residenciales de clase media/alta de las afueras de Nueva York. Pero frente al tono supuestamente sarcástico de aquella, Mendes muestra una valentía encomiable fijando el tono descarnado y áspero de este film ya desde su mismo comienzo, mediante una secuencia que es un terremoto dramático antes siquiera de que aparezca en pantalla el título del film. Antes de que el espectador se haya acomodado en su butaca, los protagonistas ya se han lanzado a gritos y a la cara sus frustraciones y miserias. Esa audacia de Mendes también se manifiesta en el escaso afecto que muestra por sus personajes, mostrándose muy crítico y distante hacia ellos. Y esta puede ser una de las claves del fracaso de la película en taquilla y en las nominaciones a los Oscar: es una película dura, sin concesiones y difícil de disfrutar a pesar de la bella fotografía y de una factura técnica notable. Mendes además remata la película con una secuencia que deja al desnudo su mensaje pesimista y desalentador: una relación se sostiene solo si dejamos de escucharnos mutuamente y cada uno vive en un universo paralelo.

La película, y su incisivo análisis de las vidas de clase media en los años 50, permanece absolutamente vigente, puede ser aplicado a cualquier país occidental en la época actual y nos enfrenta a todas esas renuncias que debemos asumir para poder llevar una vida "normal". Film lúcido pero también demasiado autoconsciente, ya que todos sus responsables parecen ser conocedores de la gravedad e importancia de la película, que adolece además de una frialdad excesiva. Aún con estos defectos “Revolutionary road” es una obra notable, y un paso adelante en la carrera de su director.

ENSAYO PARA UNA DESPEDIDA

Querida Alaska:

Estoy absolutamente, científicamente e inevitablemente decepcionada con vuestro último disco.

Para empezar, el primer single. Vale que es una canción cargada de ironía, divertida e incluso refrescante, que ningún no fan ha entendido y se os han lanzado a la yugular, pero en realidad es el peor single que habeis publicado nunca, una canción digna de las Nancys rubias pero no de Fangoria (no al menos como presentación del nuevo disco). Yo a vosotros os pido más. Es más, os lo pido todo porque lo habeis dado en el pasado.

Por otro lado, esa rotundidad con la que hablan ciertos artistas respecto a un disco cuando no están del todo satisfechos con el resultado (un ejemplo: The Cure con su disco homónimo, del cual Robert decía que si no te gustaba ese disco, entonces no te gustaba The Cure) me da bastante miedo. Dices al respecto de Absolutamente, que es la "reafirmación de todo lo que son y abarcan Alaska y Nacho Canut, filtro y síntesis de lo que significa Fangoria". Pues yo aquí no veo reflejo de "Una temporada en el infierno" o "Naturaleza muerta", ni rastro de esa elegancia, vanguardia, emoción o identificación personal con las canciones con las que tanto he disfrutado en el pasado. Habeis dejado de ser el centro de mi universo y cada vez está más cerca la decepción final. Y no, Camela No mola. Vale que "Entre mil dudas" era sublime (vuestro primer y acertado acercamiento a su estilo inconfundible), y que "Ni contigo ni sin tí" tenía intensidad, pero repetir esquema de nuevo en al menos tres canciones más, no tiene ya ninguna gracia.

Llamame Walpurgi, pero es lo que hay. Habeis pasado de ser imprescindibles a ser un "guilty pleasure" que solo puede ser escuchado en la soledad del hogar, en donde tus compañeros de trabajo no te miren con verguenza ajena. Y el tema glam también huele un poco ya: "El cementerio de mis sueños" fue un bonito guiño a la nostalgia, pero como vosotros mismos decís, lo poquito agrada y lo mucho solo enfada...

Por cierto, realmente era necesario iros a Londres para producir el disco? porque visto el resultado, seguro que en cualquier polígono de Alcorcón conseguíais un sonido más bakala y trasnochado todavía.

Lo que más me duele de todo es ver como aún sois capaces de ofrecer lo mejor de vosotros. "La pequeña edad de hielo" y "Con los ángeles" son dos maravillas a la altura de vuestras mejores canciones, y aun así preferís tirar por lo más cómodo y predecible, sabiendo lo facil que resulta ganarnos.

Gracias pero no, que si sigues así voy a tener que replanterme el futuro sin tí, y eso es algo que no me gustaría. Ojalá que esto haya sido un pequeño tropezón y que sepas enderezar tu carrera de nuevo.

Atentamente,

Una (ex?) fan fatal.

SINÉAD O’CONNOR REEDITA “I DO NOT WANT WHAT I HAVEN’T GOT”

En 2010 tendrá lugar el XX aniversario de la publicación del segundo y más exitoso disco de Sinéad O’Connor, “I do not want what I haven’t got” (1990). Por ese motivo, y porque además estamos ya en unos tiempos muy malos para la venta de CD’s y las discográficas están sacando nuevas ediciones de álbumes constantemente, se reeditará -más o menos a finales del próximo mes de abril- este trabajo remasterizado y con bonus tracks raros o difíciles de encontrar.

Aparte de los temas del disco original, un segundo CD contendrá las siguientes canciones:

1.- Night nurse (canción inédita)
2.- My special child (single de 1991)
3.- Damn your eyes (cara B de “Three babies”)
4.- Silent night (single de finales de 1991, incluido en la banda sonora del filme “The ghosts of Oxford Street”).
5.- You do something to me (del disco tributo a Cole Porter, “Red Hot & Blue")
6.- Mind games (canción inédita)
7.- What do you want (cara B de “The emperor’s new clothes”)
8.- I am stretched on your grave (Apple Brightness Mix – cara B de “The emperor’s new clothes”)
9.- Troy (live in London – cara B de “Three babies”)
10.- I want your hands on me (live at Hammersmith Odeon – BBC in concert 25-5-1990)

A falta de publicar una tercera parte de la retrospectiva sobre la discografía de O’Connor, podéis echar un vistazo a la primera parte y a la segunda. Os dejo con una interpretación en directo y sola con la guitarra de la que es, probablemente, su canción más brutal, “Troy”, de su álbum de debut “The lion and the cobra” (1987)

MI VIDEO DE LA SEMANA: "HOLD TIME" DE M. WARD

El músico de Portland M. Ward acaba de publicar "Hold time" su nuevo LP. El single de presentación de este nuevo trabajo es el tema que da nombre al álbum y es de una belleza incontestable. Seguramente Ward dará mucho que hablar este año.

LONEY DEAR, “DEAR JOHN”

Suecia es una cantera inagotable de grupos pop con talento. Parece mentira que un país con una población que apenas supera los 9 millones de habitantes nos haya ofrecido una cantidad ingente de música interesante cuanto menos, y arrebatadora en muchas ocasiones. Procedentes de Jönköping, ciudad situada al sur del país, Loney, dear son la penúltima revelación llegada desde el país nórdico.

Loney, dear es un proyecto liderado por Emil Svanängen, fundador, amo y señor del grupo, que se deja acompañar por otros cuatro miembro más o menos estables dentro del mismo. Svanängen acaba de publicar en SubPop “Dear John” un trabajo que culmina el aprendizaje de todos estos años del músico, grabando EP’s, y temas sueltos en la casa de sus padres, además de un par de LP’s previos (“Sologne” y “Loney, Noir”). Que nadie se asuste, “Dear John” es un disco con una producción deslumbrante, en absoluto amateur, y una propuesta fascinante en muchos aspectos.

Svanängen se embarca en una búsqueda de la belleza como único antídoto contra la vulgaridad y el hastío y reconoce en las emociones el reverso necesario contra la frivolidad y el vacío. Eso nos propone en este extraño cruce entre los Belle & Sebastian inspirados de finales de los 90 y los Sigur Rós más pop y comerciales. El disco resulta apasionante en muchos momentos, lleno de giros y con una instrumentación muy bella y rica, basada en elementos electrónicos absolutamente humanizados por el contraste ofrecido por la sección de cuerda. “Dear John” esconde una sorpresa detrás de otra en cada canción que lo compone. Desde esa base techno sobre la que se desliza una delicada melodía (“Under a silent sea”) pasando por los coros en “Distant” o las flautas en “Violent”, con una gran melodía pero lastrada por su intento de ser demasiado conmovedora, con unos coros en exceso enfáticos, o el estribillo arrollador de “Summers”, el crescendo de “Airport surroundings”, por no mencionar la épica sin complejos de “Harsh words”, cima del disco.

No es un disco definitivo dentro del subgénero "pop meláncolico , emocionante y lleno de belleza". The radio dept, Keane o a-ha les superan en sus momentos inspirados. Sería demasiado pedirles, pero apuntan maneras de gran banda, y seguramente serán capaces de ofrecernos algún álbum clásico en muy poco tiempo. Antes deberían liberarse de los momentos de tranquilidad, cuando bajan el volumen, renuncian a la grandilocuencia desnudando las canciones hasta aburrirnos puntualmente en las flojas “I got lost” (a pesar de esas cuerdas subyugantes, pero falla la melodía) o “Harm”.

El primer single de "Dear John" es "Airport Surroundings".

PUNTUACIÓN: 7,25/10
LO MEJOR; La cantidad de melodías preciosas que contiene el disco, y los arreglos imaginativos con las que las visten.
LO PEOR; Cierta inseguridad que se pone de manifiesto en las ganas de epatar mediante el exceso de emoción que imprimen a una de sus mejores composiciones, “Violent”.
IMPRESCINDIBLES; “Harsh words”, “Summers”, “Distant”, “Under a silent sea” y “Airport surroundings”.

1,2,3,4,5,6,7....8 OSCAR PARA “SLUMDOG MILLIONAIRE”

Aún no he podido ver “El lector”, pero incluso antes de hacerlo puedo asegurar sin temor a equivocarme que “Slumdog millionaire” era la peor de las cinco candidatas a hacerse con el premio a mejor película. A pesar de ello se ha confirmado como la gran vencedora de la noche de los Oscar entregados la pasada madrugada. Claro que ni “Milk” ni “El curioso caso de Benjamin Button” eran rivales con la calidad suficiente, y la muy interesante “Frost contra Nixon” nunca tuvo opciones reales. Visto en perspectiva, las ausencias de “Wall E”, “El caballero oscuro”, “El luchador” o “La boda de Rachel” entre otras han dejado la final herida de muerte al no permitir que las grandes películas de 2008 optaran al galardón principal y permitiendo el éxito de una película demasiado teledirigida a gustar en mi opinión.

Sea como fuere “Slumdog millionaire” queda ya en la historia de los premios más importantes del mundo del cine: película, dirección (Danny Boyle), guión adaptado, banda sonora, canción, fotografía, mezcla de sonido y montaje son los galardones que se lleva a casa.

En el apartado de interpretación triunfos de Kate Winslet como actriz principal por “El lector”, Penélope Cruz como secundaria por “Vicky Cristina Barcelona”, Heath Ledger actor secundario por “El caballero oscuro” y sorprendentemente Sean Penn se impuso al favorito en la mayoría de las quinielas, Mickey Rourke, en el apartado de actor principal gracias a su fabulosa interpretación en “Milk”. Es una decisión que no puedo dejar de aplaudir, ya que Rourke está magnífico interpretándose a si mismo en “El luchador” pero Penn está sublime trasformándose en un personaje absolutamente alejado del actor, y yo creo que esa es la esencia de la interpretación.

El listado completo de vencedores de esta edición, aquí.

“SLUMDOG MILLIONAIRE”: CINE TRAMPOSO Y VULGAR

“Slumdog millionaire” es la sensación de la temporada. Favorita para los Oscar que se entregan mañana, el director británico Danny Boyle nos cuenta en la misma el triunfo de un chico de Bombay, Jamal Malik, en el celebre concurso “¿Quién quiere ser millonario?” y las suspicacias que eso genera, al estar ante un chaval de la calle sin estudios ni cultura alguna, que trabaja como “chico del te” en un call center. Jamal será incluso sometido a tortura por la policía de la India (!!!) porque piensa que su triunfo es un fraude y deberá justificar el conocimiento de cada una de las respuestas que le permitieron ganar el premio de 20 millones de rupias. Esto sirve al director para a través de flash backs narrar su vida, su historia, que es además la historia reciente de Bombay, de sus suburbios y sus miserias.

La película se organiza narrativamente entonces en torno a esos flash backs interrumpidos por su participación en el concurso. Algo parecido ocurría en otra de las nominadas a los Oscar, pero al contrario que en Benjamin Button, la historia presente tiene un mínimo interés. En cambio el pasado del chico junto a su hermano mayor ya es otro cantar, puesto que Boyle en su intento de mezclar varios géneros en la acción no consigue interesarnos por todos por igual: así tenemos comedia (la historia del autógrafo), tragedia pura y dura (el asesinato de la madre de los chicos), drama regado con denuncia social, sin duda la más interesante, dinámica y reveladora acerca de cómo es la vida en la pobreza extrema de los países en vías de desarrollo (el reclutamiento de niños de la calle por parte de mafias locales para pedir limosna y robar o cuando los protagonistas se ganan la vida a costa de los turistas que visitan el Taj Mahal) y naturalmente una historia romántica que termina por convertirse en el motor de la cinta lamentablemente, ya que es la más tópica de todas (el amor predestinado y que debe vencer todo tipo de obstáculos y bla bla bla), mil veces vista y a la que Boyle es incapaz de insuflar un mínimo de originalidad e interés.

Sí molesto es que los responsables de la película se interesen por esa historia de amor en lugar de profundizar en la relación adulta entre los dos hermanos, con muchas más opciones dramáticas, hay otros elementos que nos hacen ver el film con una profunda sensación de insatisfacción: los subrayados de un Danny Boyle que demuestra que las sutilezas nos son lo suyo o que considera bobo al espectador (ESPOILER: cuando el presentador le deja escrita en el vaho de un espejo del baño una respuesta a Jamal, y luego cuando a este le toca responder a la pregunta en el plató, Boyle nos vuelve a recordar la respuesta que le dio el presentador como si fuésemos incapaces de retenerla un par de minutos), esa sensación de suficiencia occidental con la que está rodado todo el final, es decir la expectación que un vulgar concurso genera, paralizando todo un país, “al fin y al cabo son un país de mendigos” parece decirnos Boyle, y todo con el fin de convertir a su protagonista en un improbable héroe en el desenlace de la historia. Y que decir de ese disparatado personaje, el presentador del programa, una farsa dramática, el ridículo villano de la película, o es que alguien piensa que a Carlos Sobera le importaba el dinero que se llevara cada concursante...

Todos estos errores de guión no son simples torpezas y eso es lo más molesto. La película acaba revelándose como un film truquero, sensiblero y tramposo, en cuanto todas esas artimañas están absolutamente meditadas por sus responsables y tienen como único objeto conmover al espectador de una forma vulgar y zafia, recurriendo a trucos evidentes, en lugar de intentar ganárselos honestamente con talento, imaginación y dosis de veracidad. Aqui todo huele a falsedad (ese plató viniendose abajo cuando contesta acertadamente la ultima pregunta), hundiendo en el fango los aciertos que había tenido la primera parte de metraje de este “Slumdog millionaire”. Eso sí, en el cartel de la película ahora pueden afirmar sin temor: "Absolutamente emocionante". Enhorabuena.

TITUS ANDRONICUS: THE AIRING OF GRIEVANCES

El disco de debut de Titus Andronicus –banda norteamericana que toma su nombre de una tragedia de William Shakespeare- salió al mercado en 2008, pero ha vuelto a reeditarse recientemente. Es otro de esos grupos que se han pasado por alto debido a su nula promoción por estas tierras en las que las listas de ventas están copadas de música que nosotros no admiramos ni seguimos pero respetamos. El título “The airing of grievances”, hace referencia a un episodio de la serie Seinfield (ni idea de su existencia, pero en los Estados Unidos también se ignoran los truños que se perpetran en España). Con influencias más que evidentes hacia los Pixies, dicen por ahí que algo de Bruce Springsteen, la música de Titus Andronicus se viste de post punk e indie rock, incluso con tintes shoegaze (por supuesto sin llegar ni a la suela de los zapatos de My Bloody Valentine).

El comienzo del disco, “Fear and loathing in Mahwah, NJ” es una muy buena carta de presentación. Da la sensación de que el grupo acerca al oyente al interior del garaje donde unos jóvenes aporrean sus instrumentos hasta que por fin explotan. Hay momentos en los que parecen estar a punto de sangrar los oídos, todo es muy crudo, incluso etílico (“Joset of Nazareth’s Blues”). A pesar de gustarme mucho el guitarreo, el sonido de Titus Andronicus se torna algo espeso, aunque sus ambiciones líricas hablen de escritores como Albert Camus, que también da título al último corte del disco. Mete en una batidora a Nirvana, los anteriormente mencionados Pixies, unas cuantas guitarras desafinadas, melodías surgidas de cualquier local de ensayo sucio y el resultado es éste. Interesante ver cómo evolucionan, sobre todo para alguien como yo, que en cuestiones de música redescubro otras épocas, percatándome de que la primera década del siglo XXI está llena de copias, y pocas cosas nuevas me parecen buenas: no hay nada impactante bajo el sol en la creatividad artística.

PUNTUACIÓN: 6/10
LO MEJOR: el ambiente de estar en un local de ensayo está muy logrado.

LO PEOR: de momento, no tienen personalidad definida en cuanto a sonido.
DESTACABLES: “Titus Andronicus”, “Fear and loathing in Mahwah, NJ”, “No future, part I”, “Albert Camus”.

PET SHOP BOYS EN LOS BRITS

Impresionante medley que hicieron Pet Shop Boys en la gala de los Brits Awards, 10 minutos de actuación donde repasaron los mejores temas de su carrera con la colaboración en dos de ellos de las hombreras de Brandon Flowers y de Lady Gaga

MGMT CUENTA CON LA PROTAGONISTA DEL FAKE DE KIDS EN EL CLIP OFICIAL DE ELECTRIC FEEL

MGMT fueron sin duda una de las grandes revelaciones del pasado año. Todos coincidimos en que Time to pretend era un tema redondo para ser primer single, lo que costaba entender era que Kids, la canción más impactante del disco tardara tanto en ser elegida single y que no tuviera videoclip. Este hecho hizo que el falso clip colgado en you tube por dos jóvenes que nada tenían que ver con MGMT haya tenido, hasta la fecha, más de nueve millones de reproducciones. Para nuestra sorpresa podemos ver a la chica de ese “short” (y de la misma guisa) en el clip oficial de Electric Feel.

CANCIONES PARA FEBRERO

Con mucho retraso publicamos nuestra lista de canciones para el mes de febrero que ya casi se acaba... Como novedad, a partir de ahora publicaremos la lista (las canciones que estén disponibles) también en Spotify, para quien quiera escuchar nuestras canciones sin la necesidad de ver el video. El link, aquí.

Truman von Harket

01 Loney Dear: Harsh words



02 Animal collective: In the flowers
03 Kanye West: Say you will
04 Roxy music: More than this
05 Zeigeist: Bunny

Gaspashá Gorkovskaya

06 Thievery Corporation: The time we lost our way



07 Deep Forest: Night bird
08 Marilyn Manson: Sweet dreams
09 The Cure: The hungry ghost
10 Everything but the girl: Missing

Lord Carnavon

11 Marcelo D2: Gueto



12 Cansei de ser sexy: Move
13 Pluto: Entre nós
14 Max de Castro: Onda diferente
15 Max de Castro (dj patife remix): Carnaval

Charmeur Kiwi

16 Mando Diao: Dance with somebody



17 Franz Ferdinand: Feel the pressure
18 The Withest boy alive: Keep a secret
19 The View: 5 rebecca´s
20 Emily Wells: Symphony 1 in the barrel of a gun

Lady Foster

21 The tough alliance: Neo violence



22 Royksopp: Happy up here
23 Saint Etienne: Method of modern love
24 The sound of arrows: M.A.G.I.C.
35 Pet shop boys: Love, etc

ZUCO 103: AFTER THE CARNAVAL

Entre el verano y el otoño del año pasado, Zuco 103 sacó al mercado su cuarto álbum de estudio, “After the carnaval”, un trabajo que se me pasó por alto totalmente. Conocí a esta banda formada por el neerlandés Stefan Kruger, el alemán Stefan Schmid y la brasileña Lilian Vieira durante una breve estancia en Amsterdam. Me gustó tanto el concierto al que asistí, que posteriormente me compré casi todos sus discos. Su base central de fans tiene su origen en Holanda, donde formaron el grupo en 1999, convirtiéndose en agitadores muy populares de la escena musical del país. Ellos mismos llaman a su sonido “Brazilelectro”, que no es otra cosa que una mezcla muy vital y fresca de electrónica, jazz y sonidos brasileños. No tengo una afición desmesurada por estos estilos, salvo en contadas ocasiones como en este caso. El buen hacer de Kruger y Schmid y el carisma y fantástica voz de Vieira, fueron suficientes para terminar de convencerme.

A lo largo de la década, Zuco 103 fue abriéndose a otros mercados y han hecho giras por todo el mundo, desde Seattle hasta Tokio, pasando por Moscú entre otros muchos lugares. Su sonido, sin aportar nada que nos sorprenda de forma descomunal, junto a los ingredientes anteriormente mencionados, les confiere una personalidad muy interesante. Con “After the carnaval” vienen a confirmar que su trabajo está concebido para la fiesta, sea del concepto que sea. A lo largo de sus composiciones, donde Lilian juega un importante papel defendiendo el ritmo y el idioma de su país natal, son capaces de pasar de lo afrocubano al chill-out, por poner un ejemplo, como el que sortea un charco con toda la naturalidad del mundo. Este disco es un poco más de lo mismo que entregas anteriores. No esperéis un cambio desde “Outro lado” (1999), su primer trabajo. Pero es curioso, hay artistas y grupos que sin renovarse demasiado, continúan teniendo muchas cosas que decir. El álbum comienza con la enérgica “Nunca mais”, y prosigue su fiesta insertando la melancolía (“The same way”), la sensibilidad con puntito nocturno (“Madrugada”) la nostalgia (“Espero”), compases hipnóticos (“She”) y la dulzura plasmada en su bonito final, “Volta”.

PUNTUACIÓN: 7,5/10
LO MEJOR: consiguen que el ritmo brasileño de muchos temas gusten aunque no se siga ese tipo de música.
LO PEOR: si alguien espera alguna evolución o cambio de registro, éste no es el caso.
DESTACABLES: “Nunca mais”, “Beija a Mim”, “She”, “The same way”, “Madrugada”, “Espero”, “Volta”.

NUEVO DISCO DE CAMERA OBSCURA

La banda de Glasgow Camera Obscura ha anunciado el lanzamiento el próximo 20 de abril de su nuevo disco, “My Maudlin career”. Se trata del primer álbum grabado para la discográfica 4AD después de que sus anteriores discos fueran publicados por Elefant. “My Maudlin career”, que ha sido producido por Jari Haapalainen (Peter, Björn & John, The Concretes) llegará precedido del single “French navy” el 13 de abril y según asegura su vocalista se trata de un trabajo más oscuro que el excelente “Let’s get out of this country” (2006), anterior disco del grupo.

El tracklist completo de “My Maudlin career” es el siguiente:

1. French Navy

2. The Sweetest Thing

3. You Told A Lie

4. Away With Murder

5. Swans

6. James

7. Careless Love

8. My Maudlin Career

9. Forest And Sands

10.Other Towns And Cities

11. Honey In The Sun

REPO. LA ÓPERA EMO

Cuando una película es publicitada como un film que se convertirá en obra de culto automáticamente hay que desconfiar.

Repo! The Genetic Opera es obra del director Darren Lynn Bousmann, conocido únicamente por Saw II, III y IV, lo que en principio no vaticina nada bueno. La película es una especie de musical en clave de ópera metalera con una trama que parte de un mundo devastado por una epidemia que causa fallos orgánicos. En medio de este Apocalipsis surge Gene Co una compañía de biotecnología que permite la salvación mediante el reemplazo de órganos, eso sí, a cambio de una pesada hipoteca que si no pagas puede llevarte a perder esos órganos a manos de un Repo Man.

La película comienza con el Ladrón de Tumbas como maestro de ceremonias y desconcierta desde el inicio, pues no es un musical al uso, sino una sucesión de guitarrazos metaleros con unos actores que oscilan entre el canto y el bel canto según sus capacidades. Se confía tanto en el esteticismo en sí, que a veces uno no sabe ni lo que está viendo bombardeado por tanto barroquismo.

En el reparto encontramos a un aceptable Paul Sorvino como el dueño de Gene Co, un hombre de negocios a punto de morir y en la diatriba de elegir un sucesor. Uno de sus retoños es el desquiciado Bill Moseley en una horrible actuación que recuerda al Jim Carrey más estridente, el otro hijo no merece ni reseña por su escasa aportación parapetado tras una máscara y el tercero es una Paris Hilton convincente por el hecho de que se interpreta a sí misma: una niña rica adicta a la cirugía. El reparto lo completan un Anthony Stewart que hace lo que puede por salvar el inverosímil papel de doctor y padre modélico de día y feroz repo de noche, Alexa Vega como su ñoña hija Shilo, y Sarah Brighton como Mag, la cantante ciega imagen de Gene Co de la que únicamente puede decirse que canta bien (para eso es soprano). Para olvidar los excesos de maquillaje que hacen que uno por momentos no reconozca ni a la propia Paris.

El problema de la película es que debería ser una ópera de nuestros días, con una historia dramática, pero nos encontramos con un despropósito que obvia el partido que podía haberse sacado a la trama y desemboca en una historia cursi por mucha víscera que se meta. Se ha hablado mucho de su comparación con The Rocky Horror Picture Show (ojo que en Halloween verá la luz un remake), pero es que tampoco hay mucho humor en Repo.

La película no es más que un inmenso y pretencioso video clip a medio camino entre los Tokyo Hotel y Evanescence en el que sólo cabe destacar el esfuerzo realizado en la banda sonora, aunque en este caso hablamos de un sonido más emo que nu metal. Parece que sólo se ha cuidado la imagen olvidando el desarrollo de la historia y el resultado es un largo empastre de cosas ya vistas, inconexas entre sí, entre las que destacar: Akira, El Cuervo, Sin City, Moulin Rouge, el ya citado Rocky Horror Picture Show, Tim Burton, Lestat el vampiro y todo lo que se os ocurra dentro de un estética mezcla de Blade Runner y el S. XIX donde uno espera encontrar a Avril Lavigne de un momento a otro. Es curioso como se recurre a la estética del XIX como imagen de un mundo decadente quizá reflejo del nuestro propio pero, como hemos dicho, no esperéis una historia de Dickens.

Con todo, lo peor es la falta de un guión sólido, de algo que enganche o emocione, lo que convierte la película en un soporífero video musical sin una historia clara en el que lo único que sobresalta es algún guitarrazo que otro.

En resumen, que de siniestro nada, ñoñería emo. Una película generacional que no dudo que tenga numerosos seguidores en todo el mundo, pero para pelis emo casi me quedo con Crepúsculo, que al menos está muy bien hechita.

INSÍPIDO BENJAMIN BUTTON

David Fincher es uno de los directores más personales, y por qué no decirlo inquietantes surgido en el cine de Hollywood de los últimos tiempos. Forjado en el ultra esteticista campo del videoclip donde dirigió alguna maravilla del género para artistas como Madonna o Michael Jackson, Fincher dio el salto a la pantalla grande en 1992 con "Alien 3", una responsabilidad de tal calibre que algunos se sintieron decepcionados ante un film que no estaba a la altura de los predecesores de Cameron y sobre todo de Scott, a pesar de tratarse de una película muy interesante. No sería hasta el estreno de su segunda obra, “Se7en” (1995) cuando el mundo posó sus ojos en el joven director nacido en Denver. Aquel filme marca su encuentro con su alter ego en la gran pantalla, Brad Pitt, que ofreció en la película una de las más convincentes interpretaciones de su carrera, como el novato y torpe detective Mills. Convertido en un director estrella, Fincher nos ha dado una de cal y otra de arena desde entonces, y cada uno que escoja a cual pertenece cada una, porque seguro que no nos pondremos de acuerdo: “The game” (1997), “El club de la lucha” (1999), “La habitación del pánico” (2002) y “Zodiac” (2005) han precedido el estreno de “El curioso caso de Benjamin Button” filme con el que su director es reconocido finalmente por la academia de Hollywood con su primera nominación al Oscar como mejor director, entre las 13 con las que cuenta su película.

¿Estamos ante la mejor película del director? Obviamente no. Es más, estamos ante una de las más endebles. Un David Fincher convertido oficialmente en director de mamotretos de tres horas a las que sobra un tercio de metraje (no olvidemos lo larga que era “Zodiac”) nos ofrece aquí – la historia de un hombre que nace viejo en el primer cuarto del siglo XX, para a partir de entonces rejuvenecer con el paso de los años- un espectáculo cinematográfico insatisfactorio, por culpa de la falta de fluidez del relato. No ayuda una narración en flashbacks, contada por uno de los protagonistas postrados en una cama de hospital a punto de fallecer - una Cate Blanchett con más capas de maquillaje que el Drácula de Coppola- con el huracán Katrina como telón de fondo (¡!). Con ese error de base que hunde el ritmo, amputando la historia principal en los momentos más inoportunos, el film nunca acaba de arrancar. El espectador no es arrastrado por Fincher a su interior a pesar de aciertos puntuales, de momentos de indudable interés como la extraña relación entablada entre Pitt y Tilda Swinton en un solitario hotel ruso. La película parece una serie de anécdotas pegadas una a otra más que una narración homogénea y lineal. Somos espectadores incapaces de empatizar con unos personajes o bien muy sosos e inexpresivos (el Button de Pitt), o bien directamente insoportables (el de Blanchett, que se muestra incapaz de dar un poco de calidez a su papel de amante predestinada).

Si el director no es capaz de poner su sello como autor en la cinta, esta tampoco funciona como espectáculo hollywoodiense, a pesar de unos efectos digitales asombrosos: Benjamin Button carece de emoción y le sobra frialdad, como si su director temiera pasarse con el azúcar y se negara a cargar las tintas en su reflexión sobre el peso del destino, sobre el trascurrir del tiempo, eficaz en ocasiones como en su desenlace, pero con algunas frases en el guión que provocan sonrojo, por tópicos y superficiales (“No quiero envejecer”, “Me he dado cuenta de que nada es para siempre” etc.). La película en definitiva, con su belleza un poco de postal que pondrá de los nervios a los fans del Fincher más tenebroso, no funciona más allá de momentos concretos, pero no consigue llevar lejos al espectador: no nos fascina, ni nos maravilla, ni nos hace soñar, ni desear conocer a ninguno de los personajes que pueblan, o más bien vagan por el mundo del vacuo Benjamin Button.

GOOGLE EARTH: VIAJAR EN TIEMPOS DE CRISIS

Cuando hace unos 4 años se lanzó Google Earth pensé: Dios mío, esto es la forma de viajar para pobres y desde luego Google no me ha defraudado.

Al principio Google Earth servía para poco más que para satisfacer la curiosidad de ver tu casa desde el cielo o comprobar qué bloques vecinos tenían piscina y cuales no. Lo de ver los pueblos era más complicado porque con la definición que tenían rápidamente se convertían en un manchurrón en la pantalla.

Sin embargo, rapidamente el boca a boca funcionó y todos nos volvimos frikis perdidos buscando la vista de las pirámides desde el cielo o cómo eran realmente el Ártico o la Antártida y la cosa creció con las notas de la gente que marcaban puntos de interes, las notas de la Wikipedia o los datos de cada ciudad.

Lo de ver las constelaciones nunca me convenció, porque lo único que te pillabas era un mareo de impresión dando vueltas por el cielo y como mi vida siempre ha transcurrido bajo cielos contaminados apenas distingo la Osa Mayor y la Estrella Polar.

La siguiente revolución fue Panoramio. Ahora no sólo veías las cosas desde el cielo sino que cualquier rincón contaba con una foto que ilustrara el lugar. El éxito fue tal que los inventores (creo recordar que unos chavales alicantinos) están forrados por los cuatro costados.

Qué decir también del tiempo mundial en directo. Yo abro mi Google Earth y sé la climatología de Dublín o el tiempo que sufren mis compañeros de redacción sin moverme de mi escritorio, las predicciones a varios días, veo las nubes avanzando e incluso la lluvia con la opción radar.

Bueno, hasta aquí parecía que la fórmula no daba para mucho más, pero entonces llegó Sreet View y la revolución. Imagino que como todos, conocí el Street View en su versión Google Maps como una especie de callejero fotográfico de QDQ, pero nada más lejos de la realidad. Street View es para verlo en Google Earth.

Un buen día necesitaba por motivos laborales unas fotos de una rotonda y me dirigí a Google Earth pensando que igual Panoramio me ayudaba, cuando vi en la barra de la izquierda la opción Street View. La seleccioné y al momento aparecieron unas esferas todo a lo largo de la calle. Pinché una esfera y literalmente la pantalla me dirigió dentro de ella: OOOOHHH era como una foto tridimensional en la que podías moverte, acercarte y reproducir el movimiento natural de los ojos: mirar a los lados, arriba y abajo y así toda la ciudad punto por punto con una calidad más que aceptable. Lo primero una vez más (el ser humano es así) es ver tu casa y si te han sacado en la foto tendiendo ropa como una maruja, pero esto realmente daba para mucho más...

¿Qué pasó? que me quedé literalmente atrapado varios días recorriendo las calles de Tokyo, New York, París, Roma... y no es como ver fotos de un sitio, no; recorres lo que quieres mirando lo que quieres. Ahora soy como la niña aquella del anuncio de la Playstation que sin salir de su barrio había visto de todo. He visto las reformas del 22@ en Barcelona, el Palazzo de la Civiltá en Roma, Times Square...

Evidentemente, esto no sustituye la experiencia de viajar pero es un lujo poder ver mundo a coste cero, satisfacer tus curiosidades más surrealistas del tipo cómo será una playa polaca (verídico) y todo en un momento de aburrimiento en el trabajo, sin desplazamientos. Como Google Earth no descansa, la versión Beta del Google Earth 5 promete explorar los océanos y ver las ciudades en distintos años, pudiendo ver así la evolución de cada una... también participan en el proyecto de montar una especie de Google Earth de la Roma antigua. Google me da miedo.

LILY ALLEN: IT’S NOT ME, IT’S YOU

Lily Allen aborda su segundo disco envuelta en el hecho de haber sido aupada a la luz pública gracias a la red social My Space. Más leyendas musicales, y nos las tenemos que creer. Resulta que es hija de Keith Allen, un humorista inglés, y de Alison Owen, productora de cine. Con esto no creo que sea tan difícil adivinar que la chica ha crecido entre bastidores, focos y bambalinas, rodeada y conectada desde que nació por los músicos más reputados del Reino Unido y demás personalidades del espectáculo (y ya de mayor en el sentido carnal de la palabra, por la relación que tuvo con Ed Simons, de Chemical Brothers). Uno puede criarse en estas circunstancias y saber aprovecharlo o no. Allen optó por lo primero, tras la típica infancia y adolescencia imitando a Drew Barrymore (ahora me pongo hasta arriba de todo, mañana intento suicidarme, y pasado ataque de nervios en la clínica de desintoxicación). Y ahora, con este “It’s not me, it’s you”, se ha puesto a contar todas las desgracias que le trae la fama porque, junto a Amy Winehouse, Lily es una de las personas más perseguidas por los paparazzi de toda Inglaterra, pasto de la prensa amarillista por sus salidas de tono, sus borracheras y demás historietas que nunca he entendido bien por qué sorprenden tanto o poseen el más mínimo interés. ¿Nadie sabe lo que es pillarse una buena trompa o cogerse un colocón como la cola de un piano? De doble moral también habla la artista en temas como “Everyone’s at it”. Cierto es que cuando estas cosas las hace una chica los tabloides y panfletos se ceban más, pero por otra parte, ¿no huele todo ya al marketing más descarado? ¿Hasta qué punto aumenta el interés por un trabajo discográfico si se junta lo privado con lo que haces en público y te mantiene día sí y día también en la portada de The Sun?

El álbum discurre al compás de música que colea hacia la electrónica (“Back to the star”), al estilo de Dido en algún momento (“Him”) y ritmos pegadizos, pero con mensajes que tampoco son para tirar petardos ni con líricas que echen para atrás dejando las emociones a flor de piel: “Fuck you”, está dedicada al fin del mandato de Bush (el título lo dice todo, a estas alturas esta expresión ya no escandaliza y está más que machacada), habla mal de ex novios (“Not fair”), y una y otra vez, Allen pretende darnos una lección de lo terrible que es vivir en el epicentro de un huracán y ser tan mediática. Hay gente que hace honor a su edad y se les nota por donde quieren lanzar los tiros; otros directamente se quedan en la edad del pavo aún llegando a la cincuentena. Ahí no hay reglas fijas. Si con este tostón nos van a querer vender que ahora Lily es más madura, me temo que se han equivocado. Más de lo mismo, copypaste de épocas pasadas. Una voz tan poco identificable como la de cualquier Spice Girl. Se pueden tener referencias porque todo está inventado. Pero para comerme algo artificial, sin elementos distintivos o personales, directamente me trago una bolsa de plástico. Lo sentimos, pero ya hay overbooking de productos así. Empacho. Aburrimiento.

PUNTUACIÓN: 4/10
LO MEJOR: si pinchan alguno de sus temas en un local, no es música para salir huyendo.

LO PEOR: todo el disco suena igual, como un single con distintas versiones.
DESTACABLES: “Everyone’s at it”, “The fear”.

DOVES: TRACKLIST Y VIDEOCLIP DE SU NUEVO DISCO

Ya hemos hablado en alguna otra ocasión sobre el nuevo álbum de los británicos Doves. El sucesor de “Some cities” (2005) se llamará “Kingdom of rust”, se publica el 6 de abril y su tracklist es el siguiente:

01- ‘Jetstream’
02- ‘Kingdom Of Rust’
03- ‘The Outsiders’
04- ‘Winter Hill’
05- ‘10.03’
06- ‘The Greatest Denier’
07- ‘Birds Flew Backwards’
08- ‘Spellbound’
09- ‘Compulsion’
10- ‘House Of Mirrors’
11- ‘Lifelines’

Además ya ha visto la luz el clip del primer single, llamado también “Kingdom of rust”. Cierto que sus imágenes son un poco rollo “¿Te gusta conducir?”, pero el tema es de una belleza indiscutible, a la altura de grandes temas de la banda como “Pounding”, “The last broadcast” o “Black and white town” y nos anticipa -o eso esperamos- un disco lleno de emociones.

"MILK", CRÓNICA DEL MÁRTIR GAY

Con una buena cosecha de premios en su haber, y ocho candidaturas a los Oscar se estrenó hace algunas semanas “Milk”, film dirigido por el irregular director norteamericano Gus Van Sant (“Mi Idaho privado”, "El indomable Will Hunting” o “Elephant”), que ha reunido un excelente reparto encabezado por Sean Penn, James Franco, Emile Hirsch, Josh Brolin y Diego Luna entre otros.

La película es un biopic sobre Harvey Milk, primer hombre abiertamente gay que accedió a un cargo público en EE.UU en la década de los 70 y un activista de los derechos de los homosexuales convertido en un mártir de la causa, tras ser asesinado por un contendiente político en 1978. Milk, también conocido como “el Alcalde de la calle Castro” barrio de San Francisco desde donde fraguó su carrera política, se ha convertido de esta forma en una figura de enorme relevancia para el colectivo homosexual en EE.UU, debido a su determinación en pos del reconocimiento de la igualdad del colectivo.

Pero Gus Van Sant nos ofrece una visión carente de cualquier crítica hacia el personaje. Desde el principio no nos oculta que se encuentra entregado a su causa. Narrada por el propio Milk, Van Sant nos lo presenta poco menos que reencarnado en un mesías de la causa pro-gay, y apenas nos deja atisbar alguna arista en su personalidad, alguna contradicción o incorrección en los métodos ultilizados para alcanzar sus objetivos. El director utiliza un tono documental por un lado, apoyándose en imágenes de archivo de la época, con una inmediatez a la hora de rodar que recuerda al Van Sant underground de sus comienzos (“Mi Idaho privado” o “Drugstore cowboy”), pero como si temiera resultar demasiado indigesto, lo combina con un tono más cercano al cine artesanal e impersonal de cierto Hollywood que también ha visitado en obras como “El indomable Will Hunting” o “Buscando a Forrester”.

Estamos entonces ante un film fácil de digerir para el gran público, muy académico, con ritmo, pero sin autentico genio, ni emociones autenticas en su interior. Una película con una ambientación parca pero eficaz, y que tiene como handicap un guión un tanto apresurado, de forma que apenas dibuja bocetos endebles de personajes clave cuyos actos no terminamos de comprender, como los que interpretan Josh Brolin o Diego Luna. En cambio es reseñable los buenos trabajos de actores como James Franco o Emile Hirsch, también apoyándose en personajes más agradecidos, todo sea dicho. Mención aparte se merece Sean Penn, protagonista absoluto apareciendo en el 99% de los planos de la película. Su interpretación va más allá de la recreación más o menos inspirada del personaje. Penn ES el personaje, y en un ejercicio de técnica interpretativa brutal nos convence sin esfuerzo de que estamos ante un resucitado Milk, con idéntica gestualidad, con su mismo entusiasmo arrollador y su energía contagiosa. Si el resto hubiese estado a su altura, estariamos hablando de una película imprescindible.

INCORPORACIONES EN EL BBK LIVE'09

Depeche Mode ya tiene acompañantes en el cartel del Bilbao BBK Live 2009. Un total de 13 nuevas bandas se incorporan a la cuarta edición del certamen con Placebo, Primal Scream y Babyshambles como nombres destacados.

Placebo, con Brian Molko y Stefan Olsdal al frente, llegan para presentar nuevo disco de estudio, tras ser uno de los grande reclamos del Bilbao BBK Live 2006. Los escoceses Primal Scream, liderados por Bobby Gillespie, son garantía de diversión. Su último disco se llama ‘Beautiful Future’. Por su parte, Babyshambles es la banda del popular ex Libertines Pete Doherty, que se caracteriza por practicar un rock con claros tintes británicos.

La fiesta y el baile estarán asegurados con el dúo británico Basement Jaxx, los también ingleses y siempre divertidos Supergrass y el duo neoyorkino de electrónica Fischerspooner. El rock y jazz-rock de los estadounidenses Dave Matthews Band es otra de las bazas de este listado de incorporaciones al Bilbao BBK Live. También habrá lugar para nuevos valores como el duo The Ting Tings, una de las últimas grandes sensaciones en el Reino Unido, los madrileños Vetusta Morla, revelación indiscutible del pasado 2008 en España y los estadounidenses The Gaslight Anthem. Otros clásicos de nuestra escena como Cycle, con nuevo disco, El Columpio Asesino, con su elogiado álbum ‘La Gallina’ y Lain, unas jóvenes guipuzcoanas ganadoras de la última edición del Concurso de Maquetas de la emisora de radio de EiTB Gaztea.

Así mismo, Depeche Mode ya ha desvelado el tracklist de su nuevo disco de estudio ‘Sounds Of The Universe’ y estrenará por televisión y a nivel mundial el single adelanto, ‘Wrong’, el próximo 21 de febrero en la ceremonia de los Premios Echo, en Berlín.

BILBAO BBK LIVE 2009
9, 10 y 11 de julio
Kobetamendi, Bilbao

DEPECHE MODE
PLACEBO
PRIMAL SCREAM
BABYSHAMBLES
BASEMENT JAXX
THE TING TINGS
SUPERGRASS
FISCHERSPOONER
DAVE MATTHEWS BAND
CYCLE
VETUSTA MORLA
THE GASLIGHT ANTHEM
EL COLUMPIO ASESINO
LAIN
… y más bandas por confirmar

ENTRADAS A LA VENTA

Bono 3 días – 136 € *
Jueves día 9 – 55 € **

VÍDEO DE LA SEMANA: “SHINING LIGHT”, DE ANNIE LENNOX

Annie Lennox está a punto de sacar al mercado su primer recopilatorio, “The Annie Lennox Collection”, que incluye temas de sus cuatro discos sin Eurythmics, la maravillosa “Love song for a Vampire”, de la banda sonora de Drácula de Francis Ford Coppola, y dos cortes inéditos: “Shining light”, una cover de Ash; y una cara B muy rara de Keane, “Closer now” (renombrada para la ocasión “Pattern of my life”). Ya se ha estrenado el vídeo de presentación de esta retrospectiva, “Shining light”, en la que la artista escocesa aparece interpretando a todos los personajes de una banda femenina. Para verlo pulsar aquí, ya que de momento You Tube no permite incrustarlo. Se trata de un efecto más que machacado en el mundo audiovisual pero siempre divertido. Y es que Annie, poco prolífica a nivel musical, no es que haya estado muy inspirada en los últimos tiempos a pesar de su siempre potente imagen.

Este es el videoclip de "Shining Light" que grabaron en su día Ash, un single lanzado por el grupo norirlandés a finales de enero de 2001 e incluido en el álbum “Free all angels”. El tema es bastante bueno, os toca decidir cuál os gusta más, si el original, o la versión 2.0 de Lennox.

[DVD] THIS IS ENGLAND: ALGUNOS HIJOS DE LA GRAN BRETAÑA

La película “This is England” fue estrenada en 2006, y está escrita y dirigida por Shane Meadows. Se trata de una historia situada en los primeros años de la década de los 80. En esa época, bajo el gobierno de Margaret Thatcher, Inglaterra mantuvo un episodio bélico con Argentina por la soberanía de las Islas Malvinas y por los ovarios de la Dama de Hierro, hoy ancianita con demencia senil. En ese conflicto, el joven Shaun, de 12 años, pierde a su padre. Por este motivo se traslada a otra ciudad junto a su madre. Esta nueva vida no le hace precisamente feliz ya que se pelea con otros compañeros de colegio porque se meten con su manera de vestir y con su difunto progenitor. Un buen día, y tras pegarse con otro chaval mucho mayor que él (otra cosa no, pero el protagonista se defiende física y verbalmente como un adulto), conoce a un grupo de jóvenes skinheads capitaneados por Woody. Al verlo tan triste deciden “adoptarlo” y Shaun se convierte en otro más de la banda. Los problemas comienzan cuando sale Combo de la cárcel, otro miembro del grupo pero con ideas más nacionalistas y racistas. El personaje principal, incluso con su juventud, está brillantemente interpretado por un prometedor Thomas Turgoose. A pesar de la rapidez con la que tiene que madurar debido a las circunstancias que le rodean –muerte de su padre, vida en una ciudad costera más gris que el mismo cielo británico, peleas continuas y una madre un poco ida aunque buena persona- el pequeño Shaun no deja de ser un niño de 12 años. El filme también pone de manifiesto esa ridiculez perpetrada por buena parte de los países del planeta: el nacionalismo ciego, la identidad presentada bajo los signos de manipulación de los políticos, grupos o grupúsculos de turno, que se aprovechan del estado de apatía y desilusión general para inculcar ideas que no desembocan más que en odios e iras por las que el ciudadano medio no saca rédito alguno. “This is England” descubre algunas de las miserias del país, sus errores y lo descarnado que resulta a veces enfrentarse cada día con el resto del mundo. Vuelve a desvelar que el hombre es el único animal que tropieza infinitas veces con la misma piedra. 7,5/10

BRUCE SPRINGSTEEN: “WORKING ON A DREAM"

Nunca he seguido demasiado la música de Bruce Springsteen, al menos más allá de temas tan fantásticos como “Dancer in the dark” o el machacado “Born in the USA”. Considero que es uno de los artistas que más ha retratado las muchas caras de la América profunda a todos los niveles: bien en plan ficción a través de historias propias de una road movie, o afrontando líricas de reivindicación política pura y dura. Desde luego no es tan aburrido como lo es a veces Bod Dylan y es un tipo que no da demasiado la tabarra en otros aspectos. A unos meses de cumplir 60 años, el artista acaba de publicar su nuevo trabajo, “Working on a dream”, en el que se presenta bastante más feliz que en entregas anteriores. Probablemente tenga mucho que ver el tema que da título al álbum, ya que ha sido un poco la banda sonora del ascenso al poder del nuevo presidente de EEUU. Inocente Springsteen –o no, según se mire si le da réditos- e inocentes todos los que sigan pensando que Barack Obama va a salvar al mundo de sus males. Y es que después de un mandato tan desastroso como el de Bush, cualquier cosa parece mejor, aunque no sea así.

Precisamente hay una canción dedicada al retroamongolado George W., “What love can do”, que Springsteen escribió pensando en la fuerza del amor en épocas (y gobiernos) oscuros. El álbum se abre con un tema que dura 8 minutos, “Outlaw Pete”, todo un festival u orgía épica que demuestra el buen hacer de la E Street Band que acompaña al cantante que bien podría ser parte de algún musical sumergido en algún western. Otros cortes como “Good eye” devuelven al Bruce más cañero y potente de los años 80, cuando su voz más ronca hacía acto de presencia. El disco parece muy destinado a ser defendido en directo, y a pesar de constar de muchas canciones de relleno, temas que por sí solos no han conseguido tocar mis emociones, parece que en conjunto conforman un trabajo apreciable (los dos últimos, “The last carnival” y “The Wrestler” –de la película del resucitado y recauchutado Mickey Rourke- son muy destacables). En definitiva, Springsteen está contento y tranquilo, lejos de la melancolía y el dolor de otros tiempos. Insisto en que será porque los Estados Hundidos son ahora demócratas, cosa que tal y como está el patio debería importarnos un pimiento. No es su mejor disco –el ya hizo lo que tenía que hacer en los 80, y le sobra-, pero tampoco está nada mal, siempre y cuando dejemos a un lado el aburrimiento y cansancio de la mal llamada “era” (B)Obama.

PUNTUACIÓN: 6,5/10
LO MEJOR: la capacidad de Springsteen para seguir siendo tan prolífico.
LO PEOR: no provoca precisamente emociones intensas, salvo algún que otro momento.
DESTACABLES: “Outlaw Pete”, “Good eye”, “The last carnival”, “The Wrestler”, “My lucky day”.

MI VIDEO DE LA SEMANA: "MYKONOS" DE FLEET FOXES

Los uohhhs de Fleet foxes tal vez tengan a algunos hasta el gorro, pero a mi me siguen gustando. El grupo de Seattle lanza nuevo single, que por cierto, no está incluido en su álbum homónimo de debut si no en su EP “Sun giant”. Se trata de una preciosa canción llamada “Mykonos”, que incide en todas las virtudes ya conocidas del grupo, ese aire evocador, atmósferas rústicas, ritmos folk, una melodía bonita y una instrumentación rica. Las animaciones para el clip han sido creadas por Sean Pecknold.

TELE MORRO

Hace poco le comentaba a Monsieur August que ya no tenía muchas ganas de hablar de lo que no me gusta refiriéndome en especial a la televisión. Cuando comienzo a escribir sobre la pequeña pantalla, me salen textos llenos de sapos, culebras y arañas. Venimos sufriendo la progresiva descomposición de este medio y el hedor es tan fuerte que solamente utilizo ese aparato para ver películas. ¿Para qué iba a volver a hablar de la poca calidad de buena parte de las series españolas que se han estrenado y de las ya existentes? ¿Merece la pena envenenarme hablando de la multitud de realities dirigidos a retrasados mentales (porque eso es lo que son los telespectadores para directivos y programadores, un punto más de audiencia, un cuerpo parlante idiotizado que se traga lo que le echen)? La respuesta es no, pero ayer vi el telediario de las 15.00 horas en TVE y… no falla. Al igual que ha ocurrido en anteriores gobiernos, según van pasando los meses en una segunda legislatura con el mismo presidente, la manipulación y la mentira se asoman sin pudor por la pequeña pantalla.

Tras ofrecer los últimos y escandalosos datos del paro en España, dieron paso a una pieza (des) informativa en la que la directora comercial de la web de empleo Infojobs.net (¿a alguno os han llamado de aquí alguna vez?) tiene el morro de decir que a ellos les sigue llegando mucha oferta de empleo de diversas empresas, que es tiempo de reciclarse y que uno puede ser gestor de cobros, teleoperador, grabador de datos… lo que no dijo es que en esta página te ponen las mismas ofertas de siempre pero actualizando la fecha. Otra empleada de una empresa de trabajo temporal vino a decir más o menos lo mismo. Después, sacaron una peluquería en la que afirmaban que llevaban mucho tiempo ofertando un puesto de oficial, dando a entender desde TVE que hay trabajo a espuertas (a pesar de que hayas estudiado cualquier carrera, parece que desde este medio se sorprenden de que la gente no comience a trabajar en este oficio, “es tiempo de reciclarse, cualquiera puede ser peluquero”).

La bochornosa pieza informativa concluye con que se puede encontrar empleo como enterrador en Málaga y demás oficios que no recuerdo en otras provincias. Les faltó decir que la prostitución está en alza. Nuevamente la misma conclusión: en España hay mucho trabajo, lo que pasa es que la gente es vaga y no se recicla. La comida se me atragantó. En fin, eso me pasa por encender la televisión.

GOYA/YOGA, LOS PREMIOS DEL CINE ESPAÑOL

Este fin de semana ha tenido lugar la entrega de los premios a lo mejor y lo peor del cine español correspondientes a 2008: los Goya y los YoGa.

En cuanto a los Goya, un poco lo de siempre, una gala interminable, ofrecida por TVE en falso directo, con algún gag pasable obra del equipo de Muchachada Nui, una Carmen Machi perdida y con pocas tablas en el papel de presentadora (salvo en su lectura de las crónicas de la gala del día después), un nuevo concepto surrealista acuñado en las conexiones previas a la gala, el de “alfombra verde” (mira que originales somos) y unos vencedores "cantados" sin apenas excepción. No obstante los momentos más bochornos fueron aquellos en que se pedía al Gobierno mano dura contra la piratería. Absurdo. Todos sabemos que nadie piratea películas españolas, intentas en un acto de arrojo buscar algo para descargarte y no aparece en apenas ninguna web, no lo encuentras debido a que no tienen público. El cine español no interesa ni como material pirata y gratuito, salvo contadas excepciones, pero claro, así ya tenemos a quien culpar de las malas cifras del año 2008, cualquier cosa con tal de no hacer autocrítica en uno de los ejercicios cinematográficos más pobres que se recuerdan... En definitiva, triunfo de “Camino”, que se llevó seis Goya, entre el que cabe destacar el de mejor Actriz para una deslumbrante Carmen Elías, inolvidable Manuela en “Herederos”. Mejor Película, Director para Javier Fesser, Actriz revelación (Nerea Camacho), Guión original y Actor de reparto (Jordi Dauder) son los otros galardones que acaparó la cinta. La gran derrotada de la noche fue “Los girasoles ciegos” con el Goya al mejor Guión adaptado como único botín entre sus 15 candidaturas.

Por lo demás destacan los tres premios para la otra vencedora de la noche, “El truco del manco” –Director novel (Santiago A. Zannou), Actor revelación (Juan Manuel Montilla “El Langui”) y mejor Canción- y los premios para los internacionales Benicio del Toro como Actor protagonista por “Ché: El argentino” y el de mejor Actriz secundaria a manos de Penélope Cruz por “Vicky Cristina Barcelona”. Podéis acceder al listado completo de vencedores desde aquí.

Por otro lado el colectivo Catacric de críticos catalanes otorgaron sus premios anuales que reconocen lo peor del cine español e internacional de cada año. Difícil lo han tenido en esta edición, tanto es así que han tenido que entregar ex aquo el premio a la peor Película, que ha ido a manos de dos films históricos: “Sangre de mayo” de José Luis Garci y a “La conjura del Escorial” de Antonio del Real. Tampoco se libran ilustres nominados a los Goya, como José Luis Cuerda premiado como peor Director por “Los girasoles ciegos” o Javier Cámara, peor Actor por “Fuera de carta” y “Los girasoles ciegos”.

En la categoría internacional, premios para “Sexo en Nueva York” (Peor Película), “Crepúsculo” (Dirección), la pareja Pacino-De Niro (Actores) y Renee Zellweger (Actriz). El listado completo de galardonados, aquí.

THE KILLERS EN EL FIB 2009

El cuarteto de Las Vegas liderado Brandon Flowers, The Killers, actuará por primera vez en FIB Heineken, y serán los cabezas de cartel del domingo 19 de julio, según informaron fuentes de la organización en un comunicado.

Así, el Festival contará con Oasis el jueves 16 de julio; Kings of Leon, el viernes 17 de julio; Franz Ferdinand, sábado 18 de julio; y The Killers, el domingo 19 de julio.

Además, también está confirmada la actuación del que fuera líder de The Jam, Paul Weller que compartirá cartel con Kings of Leon el viernes 17 de julio.

El FIB Heineken 09 ya ha vendido más de 10.000 abonos, de 3 y 4 días y que, desde el pasado día 29 de enero, ya están a la venta las Entradas para días sueltos y los nuevos Abonos de 2 días, para viernes y sábado o sábado y domingo y con derecho a utilización de zonas de acampada.