SUZANNE VEGA: OTRA VEZ SIN DISCOGRÁFICA

Suzanne Vega vuelve a quedarse sin discográfica. Tras terminar su contrato con A&M la cantante estadounidense firmó con el sello Blue Note, con el que ha grabado su último disco, “Beauty & Crime”, uno de los mejores trabajos del año pasado. Pero la cosa está cada día más revuelta para los artistas y desde los tiempos en que la piratería y las descargas por Internet comenzaron a hacer mella en el negocio, eso del “tanto vendes, tanto vales” se ha convertido en lema desafortunado y rastrero para esta disciplina del arte. Nunca me ha importado lo que venda o deje de vender un cantante ni me va la vida en ello. En el caso de Vega, sí tengo que reconocer que no entiendo la mala promoción que han tenido sus últimos trabajos (y como consecuencia sus bajas ventas). Es poco prolífica, pero sus siete discos de estudio son, como mínimo, de notable. Lo malo es que “Luka” ensombreció el resto de sus composiciones a nivel popular.

Lejos de amilanarse, Suzanne Vega –bien apodada como la “Madre del Mp3”, ya que su tema “Tom’s Dinner”, pasado por la batidora de DNA, sirvió para dar el pistoletazo de salida de la música comprimida- ha anunciado que, mientras piensa en su futuro, va a continuar utilizando las ventajas que brinda la red de redes.

Este otoño volverá a grabar buena parte de su repertorio en formato acústico: ella y su guitarra (no necesita más). El proyecto se venderá a través de su página web, y es probable que conste de cinco volúmenes. También planea continuar de gira por Europa, pero de momento solamente actuará en Francia.
Os dejo con uno de mis temas favoritos de su último trabajo, “Beauty & Crime”: “New York is a woman”. Ella y su guitarra. Y esa cálida voz que evoca cualquier café plagado de humo en el centro de una gran ciudad.

“INTIMACY” LAS CARAS B DE BLOC PARTY

Lanzado hace una semana sin apenas previo aviso, “Intimacy” es el tercer disco de Bloc Party, tras “Silent alarm” (2005) y “A weekend in the city” (2007).

El tercer disco de Kele Okereke y los suyos nos devuelve al rock urbanita, londinense a mas no poder, que factura la banda como pocos. Sin embargo, después del acierto de sus dos primeros discos, el urgente e infeccioso “Silent alarm” y el mas ampuloso, ambicioso y sereno “A weekend in the city”, este nuevo disco supone un parón, si no un paso atrás en la trayectoria del grupo. Estamos ante un disco carente de estilo propio, tendente al refrito de hallazgos previos. La participación de los dos productores de cabecera de la banda, Paul Epworth (“Silent alarm”) y Jacknife Lee (“A weekend in the city”), condena al álbum al desafortunado mix de dos formas y contornos musicales difíciles de casar entre sí. De esta forma “Halo” o “Trojan horse” suenan trepidantes en la línea del debut de la banda. Y “Bilko”, “Ion square” o “Better than heaven” a pesar de chispas de genio puntuales, no logran acercarse a la atípica belleza de la mayoría de cortes de su segundo disco.

Porque, digámoslo ya, los temas de “Intimacy” no son otra cosa que pálidos reflejos de la brillantez e intensidad de sus sonidos pasados. No relucen con el vigor deseable, y como reminiscencia se olvidan nada mas acabar de sonar en el reproductor. Pero es que cuando intentan algo nuevo uno lamenta que no se hubiesen seguido plagiando a sí mismos. “Ares” es un innecesario homenaje a The Prodigy, ¡a estas alturas! “Mercury” en cambio es un aburrido canto a la mitología griega, donde repite cien mil veces la palabra y tu estas deseando que acabe desde la tercera o la cuarta. Y “Signs” parece un descarte de “Vespertine” de Björk, una canción de cuna cantada por Kele, no digo más.

Con unos textos que ahondan en temas tratados anteriormente por Bloc Party, rupturas, muerte, enfermedad, la guerra y la convivencia en el Londres actual, “Intimacy” es un disco desconcertante, correcto y punto, que ofrece poco de demasiadas cosas, perdido en una indefinición estilística que nos hará creer durante su escucha que estamos ante el disco de caras B de la banda, ante los descartes de las sesiones de sus dos primeros trabajos, temas sin pulir lo suficiente y cuyo lanzamiento, precipitado, sin que se genere un interés progresivo y unas expectativas respecto al material parecen validar esta teoría, ademas de cargarse cierta mística pop, es decir la espera ante las nuevas canciones de tus grupos favoritos. Pero al menos, eso sí, eliminan la palabra decepción de este post.

CALIFICACIÓN; 5/10
RECOMENDABLES; “Halo”, “Ion square” y “Better than heaven”
LO MEJOR; Que no nos anunciaran su lanzamiento, de esta forma no nos creamos falsas expectativas.
LO PEOR; Que no nos anunciaran su lanzamiento: nos hace sospechar que ni siquiera ellos tienen fe en sus nuevos temas. Pero entonces, ¿por qué lanzarlas teniendo “A weekend in the city” tan próximo?

ANNIE LENNOX RETRASA SU ÁLBUM RECOPILATORIO TRAS UNA INTERVENCIÓN QUIRÚRGICA

Annie Lennox ha sido intervenida de una complicada operación en la columna vertebral a consecuencia de un nervio lesionado durante su asistencia, a principios de mes, a la conferencia internacional del SIDA en México. Parece ser que cuando regresó al Reino Unido tuvieron que bajarla del avión en silla de ruedas porque no podía ni caminar. En su blog bromeó -en un siempre bienvenido y a veces incomprendido humor negro- diciendo que se sintió en ese momento como Elizabeth Taylor y que si andaba parecía Quasimodo. Debido a este inconveniente, Lennox se ha visto obligada a retrasar el lanzamiento de su álbum recopilatorio, inicialmente previsto para el 15 de septiembre, a la primavera de 2009.

Los tres primeros discos de Annie son más o menos aceptables, sobre todo el primero, “Diva”, en el que la escocesa hizo todo un despliegue de vídeos jugando con un personaje bastante drag queen de absoluta cadencia vintage interpretado por ella misma. Su cuarto trabajo, “Songs of mass destruction”, fue una de las grandes decepciones del año pasado. La compañía discográfica, para sorpresa de Lennox, la ignoró absolutamente. Tal vez ante el paralelo batacazo comercial de sus, más bien, “canciones de aburrimiento masivo”. De hecho, no respondieron los mensajes de la artista, y la publicación de “The Annie Lennox Collection” es una manera muy obvia, como han hecho con tantos y tantos grupos y cantantes, de quitarse de en medio a la escocesa y finiquitar su contrato.
El recopilatorio de Annie Lennox contendrá doce canciones de sus cuatro discos en solitario –incluido también su tema “Love song for a vampire”, de la banda sonora de “Drácula”- y dos nuevos tracks que la artista ha grabado para esta colección: “Pattern of my life” (compuesta por Tom Chaplin, líder de Keane) y “Shining light” (versión del grupo irlandés Ash). La edición especial de estos grandes éxitos vendrá acompañada de un DVD con vídeos musicales.

Pincha aquí para leer la crítica de “Songs of mass destruction”, por Truman Von Harket

RESACA OLÍMPICA IN A MATERIAL WORLD

Cuando hablo de resaca olímpica no me refiero al deporte en sí, sino al cuento chino –valga la redundancia- que suponen este tipo de eventos. Pero China, a pesar de su gobierno dictatorial, se abre al capitalismo. La prueba está en este vídeo en el que unas jovencitas asiáticas revisan el tema “Material girl”, de Madonna. Su país es muy comunista pero sus habitantes apuestan cada vez más por hacerse con una tarjeta Carrefour. Una buena píldora de humor para tomar fuerzas, esperar el –para mí- ansiado otoño, reírnos de la multimanipulación global en la que estamos inmersos y recuperarnos de ésta y otras resacas informativas como la fábula de la liberación de Ingrid Bettancourt, la vergüenza ajena que provoca el tratamiento periodístico efectuado con el accidente aéreo en el Aeropuerto de Madrid, etc…

"EL MURO INFERNAL", LA ATRACCIÓN ANTE LO INFAME

He de confesarlo, veo "El muro infernal". Nadie será capaz de convencerme de que no es un programa terrorífico, pero cada noche a las nueve y media estoy plantado frente a la televisión, mirando como unos concursantes enfundados en trajes de neopreno se pegan un trompazo tras otro contra el dichoso muro.

El programita en cuestión es una de las apuestas de la cadena buenrollista la Sexta de cara al verano. La dinámica del concurso es, brevemente, más simple que el mecanismo del chupete: dos equipos diferentes compuestos por tres personas cada uno se enfrentan intentando atravesar el muro a través de la silueta recortada en el mismo. Hay ronda individual, por parejas y finalmente de todo el equipo intentándolo. Obviamente los responsables saben que lo que queremos ver los espectadores es porrazos y por ello se lo ponen francamente complicado recortando siluetas mínimas. Pero si la dinámica del concurso no os ha seducido, el resto os garantizo que es estremecedor: comenzando por su estética, que convierte al Grand Prix del verano en el sumun de la sofisticación, y nos hace sospechar que las Cacao Maravillao irrumpirán en cualquier momento en escena con sus piñas y sus maracas; su presentador que es una combinación irresistible y digna de estudio antropológico entre el perroflauta colgado, que eso si, olvidó en la casa okupa su flauta y su perro reglamentario y el clásico chulito cateto del extrarradio, un prodigio, en definitiva, de saber hacer, de conducir con elegancia un programa.... La selección de los concursantes es sencillamente indescriptible, en serio, eso hay que verlo: como un señor de unos 150 kilos pensó en casa que podría atravesar el muro (no digo ya enfundarse el neopreno...), es un misterio que escapa a mi comprensión. Y no me olvido de la voz en off (el Castigator, ahí es nada...) con una gracia natural y un sentido del humor por el cual los guionistas deberían responder ante la justicia.

Dicho todo esto, el paso de los programas me ha ido descubriendo la diabólica inteligencia que esconden los creadores de este demencial artefacto. Ahora, solo ahora, me resulta obvio que tanta cutrez y tal cantidad de mal gusto concentrada, un humor no vulgar, si no zafio y lo de después, la selección de esos concursantes imposibles o directamente idiotas de remate, esos azafatos tratados por unos y por otros como ganado (un chico y una chica, aquí no discriminamos a nadie...), todo ello, tal cantidad de disparates reunidos, no puede se casual. Sus creadores han reinventado el gran teatro del absurdo y lo llevan al prime time catódico. Han decidido dejar su profunda huella, no han querido pasar desapercibidos y conscientes de que nada excelente podían sacar de semejante material han puesto todo su talento al servicio de lo infame. Han invocado a todas las fuerzas del mas allá y del mas acá con éxito atronador, con el fin de crear el peor programa de la historia de la televisión.

El muro infernal resulta una experiencia tan devastadora y espeluznante como presenciar un accidente de tráfico a cámara lenta. Horroriza pero no puedes apartar tus ojos de allí. Solo me queda felicitar a semejantes talentos, estos fascinantes Ed Wood del medio televisivo, por su tenacidad en la busqueda del desastre...Y ahora, todos juntos: ¡Adelante Muro!

RÓISÍN MURPHY Y LONG WINTERS EN ESPAÑA

Poco a poco se termina el verano y vamos conociendo algunos de los conciertos más interesantes de cara al otoño.

Por ejemplo, la banda norteamericana The long winters que estarán tocando en directo en España este próximo mes de septiembre. Los autores de “Putting the days to bed” presentarán los temas de su nuevo disco que han terminado de grabar recientemente. Las fechas de sus actuaciones son las siguientes:

19 de Septiembre: Madrid, Sala El Sol

20 de Septiembre: Valencia, Wah Wah

23 de Septiembre: Barcelona, Plaza del Rey, BAM

25 de Septiembre: Puerto de Santa María, Cádiz

Por otro lado los seguidores madrileños de Róisín Murphy están de enhorabuena. La autora de “Overpowered” y ex-lider de Moloko estará tocando una vez mas en Madrid el próximo 2 de Noviembre, en La Riviera. Las entradas se encuentran a la venta en Ticktackticket por 27 €.

GRANDES PÉSIMAS VOCES

Está claro que existen un buen número de cantantes y actrices, metidas a cantantes, que, a pesar de lo limitado de su registro, tienen encanto; pero yo tengo debilidad por las que son decididamente malas, aquí van algunos ejemplos.

Brigitte Bardot, en teoría la actriz quiso que desapareciera su versión del Je t’aime moi non plus porque era demasiado escandalosa pero yo apostaría a que se dio cuenta de que sus inexistentes dotes para el canto podrían arruinar su carrera.

Lo de Catherine Deneuve no tiene nombre. Es doloroso escucharla. No sentir vergüenza es imposbible. Su interpretación de la canción Souviens-toi de m'oublier junto a Serge Gainsbourg se escapa al entendimiento de cualquier persona con algo de juicio y es de lo peor que se puede escuchar en la discografía del genio francés.

Aunque La buena vida es una de nuestras bandas favoritas hay que reconocer que parece que Irantzu Valencia se deja la vida en el intento cada vez que canta. Su escaso registro acompañado de uno de los tonos de voz femeninos más feos que recuerdo hacen que cada vez que interviene Mikel Aguirre creamos que estamos oyendo a un ángel por comparación. Aún así nos encanta.

Virginia Glück. La hija del compositor Jesús Glück sacó un arriesgado disco en 1996 con claras influencias de Kate Bush. La ex bailarina llevó un poco al límite el concepto y en ocasiones da un poco de miedo o parece que está realmente loca. A pesar de ello Entre Ánimas es un disco fascinante. En 2000 publicó otro álbum que ni de lejos tenía la brillantez de su primer proyecto.

No es que Helena Miquel de Facto delafe y las flores azules cante mal, es que no canta, cosa que le agradecemos porque nos encanta que nos hable y no arriesgue entonando melodías. Bien hecho.

Penélope Cruz (o quienes la dirigen) consciente de sus limitaciones como cantante ha preferido delegar en intérpretes profesionales en las escenas musicales de sus películas, véase La niña de tus ojos o Volver. Pero la bella española se atrevió a interpretar el tema de Serrat, por el que sus padres le pusieron su nombre, para un disco cuyos beneficios fueron a parar a la fundación Sabera. El tema ha desaparecido del mapa a pesar de que incluso se llegó a rodar un videoclip. Os aseguro que es mejor así.

Romina Power, con diferencia mi preferida. Este bellezón, que inexplicablemente se enamoró de esa especie de castrati enano llamado Albano Carrissi, a pesar de tener la voz más grave que Constantino Romero, se convirtió en uno de los mitos eróticos de todos los chavales que en los ochenta veían Entre amigos, ese gran programa donde José Luis Moreno mostraba sus dotes para los idiomas y su sabe hacer.

Alizee. El penúltimo intento de Lolita francesa a pesar de tener una frente en la que se podía jugar perfectamente al frontón y antes de plantarse dos balones a modo de pechos conquistó a medio mundo con una voz muy grave nada común entre las cantantes francesas. Para colmo no se cansó de demostrar en directo que no se puede cantar peor.

[DVD] ES MÁS FACIL PARA UN CAMELLO DE VALERIA BRUNI TEDESCHI

Es más fácil para un camello.. (2003) (Il est plus facile pour un chameau…) fue la ópera prima de Valeria Bruni Tedeschi, hermana de Carla Bruni, como directora de cine, tras una dilatada carrera como actriz. El absurdo título sale del párrafo bíblico “Es más fácil para un camello pasar por el ojo de una aguja que para un rico entrar en el reino de los cielos”
Este tostón, no sé en qué medida autobiográfico, se supone que narra la historia de una mujer (histérica e insoportable) que se siente culpable por se millonaria (sin comentarios) aunque este hecho que da título al filme no es más que una anécdota. La mujer en cuestión recuerda su feliz infancia en Italia antes de que su familia tenga que huir y se instale en Francia cuando ella tiene nueve años ((la familia Bruni abandonó Italia cuando Valeria tenía nueve años, se fueron a Francia bla, bla, bla) esta señora con aspecto de cuarentona (Valeria), aunque se supone que tiene treinta y pocos y cuerpo de campeona olímpica de natación (como puede la delicada Carla tener una hermana tan basta) se convierte en protagonista única de una cinta que pretende ser su personal y desacertado Amacord.
Retazos de su infancia que a nadie interesan pero que seguro que a ella le conmueven hasta las lágrimas, se mezclan con su anodina y hueca vida presente (pobre niña rica, puff). La enfermedad del padre reúne a tres hermanos que no se aguantan, cosa comprensible porque son tres idiotas de órdago, la verdad sea dicha; a pesar de que la hermana pequeña sea la deliciosa Chiara Mastroianni que interpreta un personaje ridículo e incomprensible a partes iguales. Este filme sin planteamiento, ni nudo ni desenlace ni ninguna otra cosa termina sin pena ni gloria. Lo peor de todo es que tenemos que soportar a la Tedeschi canturreando con su inexistente voz (apenas puede hablar y se atreve a cantar) y haciendo el ridículo, comportándose constantemente como una adolescente caprichosa. En cualquier caso esta es mi lectura del filme que Fotogramas califica como “una pequeña joya” y que recibió numerosos premios.

OLA FESTIVAL: DECEPCIONANTES EMYIEMTI

Lo de MGMT es todo un fenómeno social. A pesar de actuar a las ocho y cuarto de la tarde la banda de Goldwasser y VanWyngarden era uno de los reclamos del Ola Festival. El secarral en el que se encontraba el escenario en el que actuaron se llenó de fans y curiosos que no se querían perder a la banda del momento.
Lamentablemente a pesar de la entrega y las ganas de pasarlo bien de la concurrencia, lo que prometía ser una auténtica fiesta se quedó en charletas y bostezos que sólo se vieron interrumpidos tímidamente con su último tema Time to pretend y contundentemente con el bis; Kids.
Es justo señalar que el sonido del escenario Movistar era pésimo, los graves retumbaban y ensuciaban una melodía absolutamente empastada y el volumen no era suficiente para disfrutar de un concierto al aire libre, pero también es cierto que MGMT no tuvieron su mejor día. Para los que asistieron a la actuación del Primavera Sound y les pareció lamentable tengo que decir que aquello fue gloria bendita en comparación con lo del Ola. Los chicos de Brooklyn parecía que se habían pasado con los estupefacientes, estaban lentos y nada inspirados, dejando en evidencia que algunas de sus composiciones no tienen la calidad suficiente y son mero relleno pero, y esto es lo peor de todo, ni siquiera sus grandes temas como The Youth, Pieces of what, Electric Feel o Time to pretend transmitían entusiasmo. Los fans solo enloquecieron con Kids, primer y único bis que interpretaron en solitario Goldwasser y VanWyngarden con la música pregrabada. En ese momento la arena en la que se encontraba la audiencia formó una nube inmensa de polvo que, a pesar de lo molesto, le daba cierto encanto y aire de jolgorio a la situación.
En mi opinión ya va siendo hora de que MGMT se empiecen a sentir cómodos en el escenario y busquen la fórmula para arrebatar a sus incondicionales como lo hacen con su magnífico Oracular Spectacular. Tienen ya tablas como para convertir el escenario es una fiesta pero, en esta ocasión, solo parecían un montón de chiquillos pasados de porros que acababan de llegar de la playa con la indumentaria que encontraron en un vertedero hippie y que estaban deseando terminar para atacar la sangría que se habían dejado a medias. Una pena.

ELIGE EL MEJOR CLIP DE LA HISTORIA

MTV UK está eligiendo el mejor video clip de la historia de la música. Entre los aspirantes escogidos por la cadena se encuentran clásicos de diferentes épocas entre las que destacan el “Take on me” de a-ha, “Like a prayer” de Madonna”, “Thriller” de Michael Jackson o “Smells like teen spirit” de Nirvana. El ganador lo vota el público en este enlace. Y en este otro podéis ver todos los video clips nominados. Mi favorito a continuación, por si no estaba claro todavía.

OLA FESTIVAL: SOBERBIOS GOLDFRAPP

Eran las 9 en punto de la tarde, y corriendo desde el escenario grande, en donde MGMT estaban tocando todavía, cuando Alison Goldfrapp, descalza, con un vestido blanco y capa fosforita de color rosa simulando alas de pájaro, junto al resto de los músicos (todos de blanco riguroso) comenzaba su actuación de la mejor manera posible, con un “Utopia” sacado de su primer y laureado disco “Felt mountain” dejando muy claro que si se puede empezar un concierto con un temazo como este, es que tienen muchas otras grandes canciones que ofrecer. Y vaya si lo hicieron, encadenando hit tras hit en un concierto redondo, con un sonido magistral (por desgracia, el único concierto que sonó realmente bien, ya que en el resto de actuaciones, el volumen estaba demasiado bajo para apreciar numerosos matices, por no hablar de lo desastroso de la carpa).

Muchos son los fans que se han sentido decepcionados con el giro musical de “Seventh tree” respecto a sus dos anteriores albumes, pero escuchar temas en directo como “Caravan girl”, “Happiness” y especialmente la enorme “Little bird”, con esos visuales tan psicodélicos y sorprendentes y ese final alargado hasta la extenuación, no desmerecen para nada respecto a sus anteriores trabajos. Mención aparte merece la preciosa “A&E”, que consiguió ponerme los pelos de punta ante una Alison cantando mejor que nunca.

Si bien el comienzo del concierto fue la parte más calmada y autocomplaciente en la que Alison mostró su potencial (gorgoritos incluidos en las dos canciones innecesarias del setlist, “U never know”, y “Lovely 2 c u”), a medida que el sol se iba poniendo (gran momento ese de presenciar una puesta de sol mientras disfrutas de una actuación así) iban despachando sus temas más potentes, entre los que no faltaron “Oh la la” y “Number 1” (¿Por qué no tocaron “Ride a white horse?) , para acabar con el público desatado con unas versiones realmente brutales de “Train” y “Strict machine”.

Sin duda, después de reconciliarnos con Björk, el segundo gran momento de un festival que se ha caracterizado por una afluencia muy masiva para el recinto que era, y en el que el sonido de casi todos sus escenarios ha dejado bastante que desear. (Eso sí, lo de tener el mar a un paso es algo impagable, aunque con lo apretado de los horarios fue difícil de disfrutar)

LANZAMIENTO DEL TERCER DISCO DE BLOC PARTY...MAÑANA

Si, mañana día 21 de agosto es la fecha escogida por Bloc Party para el lanzamiento de su tercer álbum de estudio. Tal como anunciaron hace apenas un par de días en un webchat, a partir de mañana será posible, previo pago de 5 libras, descargar su nuevo disco desde la página web de la banda.

El álbum se llama “Intimacy” y viene precedido por el single “Mercury”. El disco no obstante, no se podrá comprar físicamente en tiendas hasta el 27 de octubre. Con este adelanto inesperado Bloc Party dan un golpe de efecto anticipándose al lanzamiento de otras grandes apuestas discográficas esperadas para el otoño, y se curan en salud ante posibles filtraciones de material. Desde luego la industria musical no es lo que era. Se acabo el esperar el lanzamiento de un disco con ansias durantes semanas, ahora lo tienes en la calle meses antes de lo que esperabas y sin previo aviso. En pocos días os contaremos lo que nos parece el sucesor del magnífico “A weekend in the city”.

OLA FESTIVAL: EDITORS, NAUFRAGIO ROCK

Todos los que hemos presenciado un concierto de Editors alguna vez hemos coincidido en la idoneidad de que la banda tocara en grandes aforos, con escenarios espaciosos en lugar de en las salas pequeñas o cutres en las que lo han estado haciendo hasta hace pocas fechas. Su actuación en el Ola como cabezas de cartel, en horario estelar y escenario mediano-grande les daba la gran oportunidad de confirmar nuestras sospechas y de paso garantizarles estatus de Stadium band.

Editors han grabado dos discos llenos de trallazos rock, donde juegan a su antojo con una oscuridad impostada y una épica arrolladora aunque no siempre honesta y creíble, siempre estimulante. Son una banda que funcionan en estudio y que habían dado signos de vida rotundos en directos anteriores. Sin embargo desde el principio se vio claro la incapacidad de los británicos para ganarse al público en su actuación del viernes. No ayudó un Tom Smith al que daba pena y dolor contemplar, intentando hacerse escuchar ante la manifiesta ausencia de voz con la que compareció, ni una puesta en escena que, ante lo que ya habíamos presenciado y admirado boca abiertos poco antes (Goldfrapp, Massive attack o Björk), era de una simpleza insultante, y apenas podría soportar comparación con una actuación de orquesta de feria de pueblo, con unos pocos focos de colores que se iluminan de vez en cuando sin ton ni son, ni propósito dramático alguno. Un sonido inaudible en muchos momentos y una falta de carisma y garra de un grupo devorado por el escenario hicieron el resto para convertir su actuación en un desastre apenas superado por los bochornosos Hercules and the love affair.

Cualquier parecido entre lo que pudimos a duras penas escuchar el viernes afinando el oído y las “All sparks”, “An end has a start”, “Smokers outside the hospital doors” o “Munich” que nos han apasionado en nuestras casas es pura coincidencia. Concierto carente de fuerza y protagonizado por una banda con convicción mínima que además remata su concierto con la peor canción de su repertorio (“Fingers in the factories”), lo que revela que estamos ante unos Editors desorientados si no ya perdidos irremediablemente en el camino de una grandeza esquiva que se ha tornado oscuridad de pacotilla, épica de bajo perfil, solo apta para adolescentes impresionables y depresivos. Esperemos nos lleven la contraria en próximas visitas, y sobre todo en un tercer disco que nos reencuentre con su torrente de pop tras el pálido reflejo de si mismos que nos encontramos en el Ola. Francamente me importa poco lo penoso que toquen en directo si siguen inspirados en el estudio. Y esto va por Saint Etienne también.

OLA FESTIVAL: SAINT ETIENNE, BOSTEZOS POP

La actuación de Saint Etienne el viernes en la carpa del Ola festival a horas intempestivas (las ocho de la tarde, cosas de los festivales) supuso un primer aviso del lamentable sonido que tendríamos que padecer en aquel escenario durante toda la noche. De hecho, y visto en perspectiva tras posteriores actuaciones en el mismo lugar como las de Cut Copy y especialmente la de Hercules, el sonido de Saint Etienne fue una muestra de profesionalidad y de veteranía por parte de los británicos. Pero solo si lo comparamos con aquellos. Siendo objetivos Saint Etienne a pesar de un repertorio espectacular (sonaron “Don’t back down”, “Sylvie”, “Action”, “Only love can break your heart” o “He’s on the phone” entre otras y es que pocas bandas pueden presumir de la cantidad de temazos que ellos poseen) y de los bailes propios de solista de pachangas, bodas y bautizos de una divertida Sarah, estuvieron tirando a desganados, profesionales pero sin carisma, cumplidores pero sin ambición de triunfar. La voz de Sarah Cracknell resultó inaudible en buena parte del concierto, los coros de una señora mayor que estaba a su lado lo mismo, y el resto de la banda bastante tuvo con evitar los acoplamientos que camparon a sus anchas durante todo el festival en la mencionada carpa. Problemas técnicos (canciones que comenzaban a tocar y debían interrumpir en varias ocasiones a los pocos segundos), un público distante y no metido en situación si no desperezándose aún de la siesta y una dura competencia en el escenario grande (MGMT) terminaron por condenar a la mediocridad y el aburrimiento el concierto de una banda que merecía mucha mas suerte y mejores circunstancias que las que tuvieron que padecer. Un directo que no hizo justicia a la magnífica trayectoria demostrada por la banda en su larga carrera en el estudio de grabación. Resultado: un concierto prescindible y definitivamente olvidable.

OLA FESTIVAL: BJÖRK, ARROLLADORA ENTRE LA TRADICIÓN Y LA VANGUARDIA

Björk es una de esas cantantes a las que resulta sencillo amar o detestar. Es más, en su caso, muchos de nosotros la admiramos y odiamos por igual según el día. Tras tres álbumes supremos a los que siguieron otros tantos o bien decepcionantes o que directamente acarician el desastre artístico por culpa de su actitud de genio incomprendida solo apta para modernos aburridos y suicidas frustrados, era difícil imaginar a cual Björk nos encontraríamos en el Ola festival.

La islandesa finalizaba en El Ejido diecisiete meses de gira de presentación de “Volta”. Con unos minutos de retraso sobre el horario estipulado apareció en el escenario grande del festival. Un escenario lleno de banderolas, estandartes y escudos, entre lo naif, lo étnico y el cuento de hadas basado en la mitología nórdica, Björk atacó un repertorio brillante, ignorando en cierto modo su último disco, el nefasto “Volta”, del que solo tocó tres temas, centrándose en “Homogenic” especialmente, del que interpretó hasta cinco temas (“Hunter”, unas hermosísimas “Unravel” y “Joga”, “Bachelorette” y la inevitable “Pluto”). “Medulla” con “Oceania”, “Triumph of the heart” o una emocionante “Who is it”, “Post”, con “Army of me” o una “Hyper-ballad” que desataron la locura colectiva y “Vespertine” con “Pagan poetry” también tuvieron su representación en el track-list, a diferencia de un “Debut” que quedó inédito lamentablemente. Lejos de ser engullida por la inmensidad y profundidad del escenario, la islandesa y su banda, o mejor, su orquesta (con sección de viento, coro etc.) triunfaron estruendosamente ante un publico que abarrotó la explanada principal del recinto. Una de las grandes triunfadoras del evento.

Pero por encima de su acertado repertorio o de la actitud de la cantante, mostrándose encantada con el público, incluso simpática y agradecida tras cada tema, lo que debemos celebrar y lo que provocó su triunfo arrollador es la pasmosa combinación entre tradición y vanguardia que puso de manifiesto Björk en cada uno de los temas que tocó. El respeto a una tradición musical fértil, con homenajes al cine de terror expresionista alemán, lleno de guiños al pasado, pero mirando de frente al futuro. Björk reinventó su repertorio, haciéndolo sonar añejo gracias a los instrumentos de viento como trompas pero también trepidante y futurista (no faltó el React table, del cual las cámaras laterales abusaron hasta el hartazgo, por cierto, dando a la tabla mayor protagonismo que a la propia Björk) llevandonos a los espectadores de la melancolía a una euforia desbordante en pocos segundos. Björk en definitiva demostró en su actuación en el Ola! una sabiduría, buen gusto y conocimiento musical digno de admiración, así como una inquietud por dotar de vida propia y renovada a lo mejor de su repertorio, redefiniéndolo y lanzándolo hacia un hermoso futuro, ante el cual solo podemos rendirnos admirados, fascinados y todavía emocionados. Björk, enemiga obstinada de la vulgaridad, nos transportó a los lugares donde queremos estar y permanecer.

TRACY CHAPMAN ANUNCIA GIRA Y NUEVO DISCO

Como ya sabemos, los cantantes y grupos ya no sólo pueden vivir exclusivamente de la venta de discos. El bolsillo de la artista estadounidense Tracy Chapman debe haber empezado a resentirse, y tras diez años sin hacer una gira decente, ha anunciado que va a comenzar este invierno una tanda de conciertos por Europa. Para variar, de momento no viene a España. Además, ya tiene preparado su octavo álbum de estudio, que lleva por título “Our bright future”.
Chapman es una de las pocas voces afroamericanas –por no decir la única- que hay pululando por mi discoteca privada. Junto a Suzanne Vega o Tanita Tikaram, abanderó la moda de cantautoras “folk” que surgió a partir de la segunda mitad de los 80 (Vega fue la primera, todo hay que indicarlo). Ellas representan momentos íntimos y sosegados en casa, y también invitan a descansar un poco de otros estilos musicales. Tras cinco primeros discos bastante aceptables –sobre todo con el que se dio a conocer-, Tracy publicó dos trabajos más bien flojos en comparación con los anteriores. Discreta hasta decir basta, poco se sabe de su vida privada, salvo lo básico. Tras años de especulación sobre su orientación sexual –algo muy obvio, por cierto, pero que hoy día no debería importarle a nadie- a Chapman debió de quedársele cara de pintura cubista cuando la escritora Alice Walker (“El color púrpura”), reveló en 2006 que había mantenido una relación sentimental con ella durante los años 90 (y que además, se lo había pasado bomba).
El nuevo trabajo de Tracy Chapman se une a la lista de artistas que publicarán álbumes antes de final de año. Teniendo en cuenta la irregularidad de los dos últimos discos de la cantante estadounidense –que tampoco llegan a ser malos-, el nivel de interés es medio.

"EL CABALLERO OSCURO", CINE GIGANTE Y DEFORME

Tres años después de llevar a cabo un ensayo general notable (“Batman begins”), Christopher Nolan estrena “El caballero oscuro” rodeada de una expectación desconocida, con aureola de gran cine, de revienta taquillas y de película definitiva acerca no solo de Batman si no también de su rival por excelencia, el Joker.

Planteada en último termino como un enfrentamiento entre ambos o entre el orden establecido y el caos y la ausencia de principios, Nolan como un experto funambulista, o un maravilloso manipulador, crea un film increíblemente ambicioso y enamorado de si mismo y de cada una de sus secuencias, lo rodea de una pompa y de una solemnidad tal, que por un momento parece que este contando un historia compleja y novedosa. Crea un artefacto apasionante en forma de film de ritmo trepidante, planteado como un tour de force continuado y de intensidad desconocida, pero con trama mucho más simple y lineal de lo que aparenta en un principio con eso sí, una capacidad metafórica apreciable y secuencias inolvidables.

Lo que mas llama la atención de “El caballero oscuro” es la capacidad de Nolan para reventar desde dentro, todos los clichés del cine de superhéroes. “El caballero oscuro” es un film atípico. No es cine de acción, ni desde luego cine fantástico, ni cine basado en los convencionalismos que lastran y enriquecen también las traslaciones a la gran pantalla de personajes de comic. Esta película se encuentra más cómoda en la cercanía con el cine de gángsters, del thriller, de las grandes crime movies norteamericanas.

A Nolan le interesa poco el universo de Bob Kane o de Alan Moore y su "Killing joke". Nolan está por encima de Batman, o al menos lo pretende. Gotham no existe. No dota a la ciudad de un look propio, por ejemplo. La película se desarrolla en cualquier ciudad americana corriente. Por eso llama la atención la pasión de los fans de las tiras de Batman con esta visión del héroe y su desprecio a todos los films anteriores sobre el personaje. Para Nolan, Batman y Joker son un mero reflejo deforme, desvirtuado y grotesco que representa la podredumbre y decadencia de una ciudad, de una sociedad condenada al desastre antes de renacer. El director y guionista utiliza a sus protagonistas como meras herramientas que doten de validez su discurso, pero no les otorga la profundidad dramática prometida o dibujada en el primer film. Joker no es un psicópata, ni un sociópata ni un demente. Nolan lo dibuja como un terrorista post 11-S. Como un fanático cuya única religión es el desorden y un absurdo nihilista que lo convierte en alguien tan peligroso como un terrorista suicida y real.

De esta forma “El caballero oscuro” se aproxima al cine político para todos los públicos (mas o menos, ya que la violencia campa por sus respetos en la cinta), con un discurso pesimista pero que en un desenlace forzado, se torna en luminoso y esperanzador, para a última hora recular y volver a cierta oscuridad impostada, mas por temor a quedar estigmatizado como un creador que cede ante las presiones de la superproducción que por convicción, o eso me temo.

“El caballero oscuro” es un manjar tramposo y bien interpretado, una ópera imprescindible, brutal, manipuladora, colosal en sus objetivos y en buena parte de sus logros, pero de ninguna forma podemos acercarla al espejo de los demás filmes de de superheroes, ya que este los excede en intenciones, y a su vez no alcanza, ni desde luego su director lo pretende, a los buenos comic-films en cuanto a tono, look, atmósfera, (“Batman” o “Batman vuelve”), mitología y amor o empatía con los personajes (“Spider-man” 1 y 2). Nolan es sublime. Por eso cuando se equivoca lo hace a lo grande (esos diálogos sonrojantes sobre la democracia y la tiranía en el restaurante, por favor...) y cuando acierta nos mantiene hipnotizados, atrapados en la tela de araña de un cine grande, desproporcionado, apasionante, único.

VICKY, CRISTINA, BARCELONA. UN TRÁILER QUE PROMETE

El nuevo filme de Woody Allen, Vicky, Cristina, Barcelona ya tiene fecha de estreno en nuestro país. Será el 19 de septiembre. A pesar de que el desafortunado título no incita a acudir a las salas de cine a verla, el hecho de que la crítica fuese seducida en el preestreno del festival de Cannes y nuestro amor incondicional por Allen, sumado al morbo de ver a sus protagonistas Javier Bardem, Penélope Cruz y Scarlett Johansson montándoselo todos con todos, supone un auténtico reclamo para este nuevo trabajo.

A juzgar por el tráiler podemos deducir que Vicky, Cristina, Barcelona, cuenta con los mismos ingredientes que han fascinado a Allen en todos sus filmes desde Match Point: enredos amorosos y gente cotidiana convertida en asesina (al menos en potencia).

Tráiler de Vicky, Cristina, Barcelona.

MI VIDEO DE LA SEMANA: SIGUR RÓS EN EL MoMa

El pasado 17 de junio, Sigur Rós ofrecieron un pequeño concierto en el interior del museo MoMa de Nueva York, lugar elegido para conmemorar el día de la independencia de Islandia ante unos pocos privilegiados. Aquí os dejo el video con una calidad de audio excelente en el que durante más de 45 minutos tocaron algunas canciones de su maravilloso último disco "Með suð í eyrum við spilum endalaust" así como algunos de sus más grandes temas y el himno nacional isandés.

El setlist es el siguiente:
1 Glósoli
2 Sé Lest
3 Við spilum endalaust
4 Sæglópur
5 Icelandic National Anthem
6 Inní mér syngur vitleysingur
7 Hoppípolla
8 Gobbledigook

¿DÓNDE ESTÁ YELLE?

Quien nos iba a decir cuando nuestro querido Lord Carnavon nos descubrió a Yelle que esta chica se iba a convertir, en serio, en un icono de modernidad. Esa especie de broma, que en el fondo molaba, ahora mola oficialmente y para que no nos de vergüenza confesar que esa “Choni” (por muy francesa que sea era una “Choni”) nos ponía, alguien en su discográfica ha estado avispado y han pasado a la francesa de moda por chapa y pintura. Le han quitado los calentadores y los moñitos y la han convertido en la Sarah Jessica Parker del tecktonik y para que no queden restos de "La Juani" gabacha le han grabado otro videoclip del tema que la ha convertido en la nueva diosa de las discotecas Je veux te voir. Mirad el original con atención porque pronto será autodestruido. Confieso que yo prefería a la “Choni”.

SINÉAD O’CONNOR: RETROSPECTIVA (2ª PARTE)

Al poco tiempo del incidente de la foto del Papa, Sinéad O’Connor fue invitada a un concierto homenaje a Bob Dylan. El evento estuvo coordinado por el actor y cantante Kris Kristoffersson. Cuando le tocó el turno a la irlandesa, fue abucheada por una parte del público. Creo que eso no es lo que más impresiona –estamos acostumbrados a ver lo pacatos que son algunos sectores de la sociedad estadounidense, como en casi todas las naciones en mayor o menor grado-. Lo que realmente sobrecoge es el cabreo supino que se coge O’Connor, que en lugar de seguir su actuación como si nada, vuelve a cantar a grito pelado el tema de Bob Marley que acompañó a su protesta contra los abusos a menores por parte de la iglesia católica en el Saturday Night Live. Antes de continuar con la retrospectiva, no dejéis de ver este documento: comienza con declaraciones y ensayos de Sinéad para el acto homenaje a Dylan y después con las imágenes de su aparición en el escenario, su enfado y posterior retirada –derrotada y en los brazos de Kriss Kristoffersson (años más tarde, O’Connor dijo que en realidad lo que él quería, más que consolarla, era echar un polvo con ella)-.


Universal mother (1994)

Un par de años no fueron suficientes para que la gente desistiese de considerar a Sinéad O’Connor un extraño ser descontrolado. Tampoco sirvió que se dejara crecer el pelo en lo que pudo ser uno de los primeros intentos de la industria por “encarrilarla” hacia el camino políticamente “correcto”. Esto sólo se hace cuando hay talento, y en consecuencia, dinero que ganar a costa del artista en cuestión. ¿Se dejó manipular la cantante irlandesa? No. ¿Terminaron las polémicas reinantes en su vida personal y profesional? Ni mucho menos.
En 1994, O’Connor publicó su cuarto disco de estudio, “Universal mother”. Se trata de uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, personal y poético hasta decir basta. Su estructura parece concebida como si de una ópera se tratara, con introducción (un fragmento de un discurso de la escritora, periodista y académica australiana Germaine Greer, una de las feministas más reconocidas y polémicas del siglo XX); intermedio con “Am I a human”, un pequeño verso cantado por Jake, el hijo mayor de Sinéad que por aquel entonces tenía unos 7 años; y una despedida reflejada en el tema “Thank you for hearing me”. La cantante reaviva sus fantasmas infantiles con el primer single, “Fire on Babylon” (el vídeo fue dirigido por el francés Michel Gondry), un tema que podría ser la continuación de “Troy”, acometido con la misma fuerza y rabia.
Se calma con la suave “John I love you” y la maternal “My darling child”, para volver a enfrentarse a un amante abusivo en la progresiva “Red football”. Hacía pocos meses que había muerto Kurt Cobain, con el que Sinéad tuvo amistad, y como homenaje incluye una atmosférica versión del tema “All apologies”. Destacan también dos canciones maravillosas a piano, donde se privilegia la parte más dulce de la voz de O’Connor: “A perfect indian”, sobre suicidio y mitología, y “Scorn is not his simplicity”, acerca de tener un hijo especial y distinto a los demás. Con “All babies” (la que podría ser continuación de “Three babies”), incide en temas puramente místicos. Incluye dos canciones a capella, una con coros, “In this heart” y otra sin ellos, “Tiny grief song”. Con respecto a otro de los singles, “Famine”, Sinéad explicó: “Irlanda es como una madre perdida. Hemos perdido nuestra lengua y nuestra historia por culpa de las leyes inglesas. Y seguimos con ese sentimiento de dolor cada día”. En este tema, denuncia la opresión británica tras la tragedia de la hambruna de 1847, pidiendo la reunificación irlandesa y el fin de la violencia en Irlanda del Norte. Si no conocéis este apartado de las difíciles relaciones entre el Reino Unido e Irlanda, todo se resume aquí (medio rapeado, por cierto). A pesar de lo distintas que son unas canciones de otras, “Universal mother”, como bien explica O’Connor en el libreto, está concebido como un conjunto indivisible. “Se aprecia mejor si se escucha con auriculares”, señala la cantante.

LO MEJOR: aunque se trata de una obra bastante compleja, con canciones muy distintas las unas de las otras, están hiladas a la perfección.
LO PEOR: si tienes un día muy melancólico y eres fácilmente influenciable por música y letras no es recomendable escucharlo.
DESTACABLES: “Fire on Babylon”, “Famine”, “All apologies”, “Thank you for hearing me”, “John I love you”, “Scorn not his simplicity”, “A perfect Indian”, “All babies”.
PUNTUACIÓN: 9/10

Gospel oak (1997)

En realidad, “Gospel oak” es un EP de 6 canciones en las que Sinéad O’Connor se aleja de su furia inicial y se centra en un camino de simple acústica celta. En 1997, fecha de publicación de este trabajo, la cantante irlandesa decidió no asistir a un festival por la paz en Jerusalem porque un grupo radical pro israelí le amenazó de muerte. Y ella, lejos de dejar las cosas pasar, mandó una carta a varios periódicos de la ciudad dirigiéndose a esta organización en la que comentaba que siempre había tenido mucho cariño por los judíos y preocupación por todo lo que han sufrido a lo largo de los siglos, pero a su vez increpó a los fundamentalistas: “¿Cómo puede haber paz en la tierra si no hay paz en Jerusalem?” (en otras palabras, “¿de qué vais?”). O’Connor publicó “Gospel oak” y lo dedicó a la gente de Israel, Ruanda y el Norte de Irlanda por los conflictos en los que están inmersas estas zonas del planeta.
Hasta hace poco, nunca entendí porque los artistas publican EP’s, seguramente muy tenaz en la idea de que toda producción discográfica debe ser de larga duración, con un mínimo de 8 o 9 canciones. Mirándolo de otra forma, muchas veces más vale publicar 5 o 6 temas buenos y no añadir 4 o 5 malos que contaminen la obra. A pesar de todo, no dejo de tener la sensación de que “Gospel oak” es un disco inacabado, donde Sinéad parece que está cantando en una guardería. Es dulce (“Petit poulet”), maternal (“This is to mother you”), y romántico (“My love”) pero hay momentos de empalague total que se salvan por el sabor celta que O’Connor imprime, sobre todo en el tema final, la preciosa “He moved through the fair” (grabada en directo). Como no, tampoco se olvida de las malas relaciones entre Irlanda e Inglaterra (“This is a rebel song”). Por más ñoña que se ponga, la cantante no puede evitar meter alguna que otra puya de vez en cuando aunque ya no lo haga tan de frente.

LO MEJOR: la acústica celta del EP regala bastante paz.
LO PEOR: es algo azucarado por momentos y para mí, una producción inconclusa.
DESTACABLES: “This is a rebel song”, “He moved through the fair”.
PUNTUACIÓN: 5,5/10

Faith and courage (2000)

El año anterior a la publicación de “Faith and courage”, Sinéad pasó unos meses de lo más movido. Fue ordenada sacerdote por la orden tridentina, un grupo rebelde disidente de la iglesia católica que apuesta por el derecho de las mujeres a ser curas. Esta nueva travesura de O’Connor le costó que la prensa irlandesa dejase de andarse con chiquitas y comenzó a atacarla de modo contundente, llamándola perturbada, rara y loca sin contemplaciones. Después, el padre de su segunda hija, el periodista John Waters, interpuso una demanda contra la cantante para quitarle la custodia basándose precisamente en lo que decían la tremenda cantidad de artículos que argumentaban que Sinéad estaba definitivamente para que la encerrasen, cuestionando su capacidad para ser una buena madre. Con su hijo mayor no hicieron nada, cosa curiosa, pero le mandaron a un internado. A finales de 1999, O’Connor intentó suicidarse tomando una gran dosis de pastillas. Un amigo suyo la llevó al hospital y se salvó. El juicio se resolvió a su favor y no perdió la custodia de su hija.
Por su parte, varios productores dijeron “venga, vamos a tratar de reinventar a Sinéad”, o algo así. Porque “Faith and courage” destila manufactura pomposa e intencionada en todas y cada una de sus canciones. Supuso una incursión en la electrónica, por momentos algo chill out, en el tema que abre el disco, “The healing room”. Pero también se rinde a los sonidos más pop, como su primer single “No man’s woman” (el título lo dice todo), “Dancing lessons” o “’Til I whisper U something”. Por esta época, O’Connor comenzaba a mostrar simpatía por el movimiento rastafari, algo que deja muy patente en su primer devaneo con la música reggae en el tema “The lamb’s book of life”. Da la sensación de que los cortes finales son la antesala de los dos posteriores trabajos que llegarían después (la canción que cierra el disco, “Kyrié eléison” es una oración de la misa latina). Vuelve a crear tracks más progresivos, que estallan y crecen poco a poco como “Daddy I’m fine”; medios tiempos muy agradables (“What doesn’t belong to me”) y otras joyas en las que su voz es descomunal (“Jealous”, “Hold back the night”, “The state I’m in”).
Cuando apareció el disco en el mercado, Sinéad saltó con que era lesbiana. Más tarde se retractó y comentó que en realidad era bisexual y que en ese momento dijo lo que dijo porque había tenido un rollete con otra mujer. Muchos encontraron similitudes con David Bowie, que en su día vino a hacer lo mismo y a nivel comercial le salió bastante bien. Si la O’Connor ya era todo un símbolo para las lesbianas, estas declaraciones la convirtieron en la diosa de ese colectivo. Entre tanto, “Faith and courage” supuso el último contacto de la cantante con la gran industria. De hecho, salió tarifando con la discográfica porque se negó a hacer giras para defender el disco.

LO MEJOR: la variedad de estilos vuelve a poner de relieve la versatilidad de la irlandesa.
LO PEOR: una producción demasiado intencionada, excesivamente “brillante” para tratar de convertir a la cantante en una artista “políticamente correcta”.
DESTACABLES: “No man’s woman”, “Jealous”, “Hold back the night”, “’Til I whisper you something”, “Dancing lessons”, “What doesn’t belong to me”.
PUNTUACIÓN: 7/10

Pincha aquí para leer la 1ª parte de la retrospectiva

Pincha aquí para leer la 3ª parte

WALL•E: LA IMAGINACIÓN DESATADA

Existen cineastas que en lugar de simples artesanos que se limitan a trasladar a la gran pantalla una historia son magos. O alquimistas. Unos pocos hacen parecer al resto de directores torpes aprendices. Los cineastas de Pixar pertenecen a esta reducida estirpe. Estamos ante talentos capaces de crear historias fascinantes, de hacer crecer dentro de nosotros universos nuevos, de inventarse personajes a partir de una hoja en blanco y de paso reinventar y engrandecer la mitología del cine para hacerla mas fértil, mas rica y poderosa en nuestro subconsciente.

No me gusta mucho el cine de animación. Las películas para niños me aburren. Empiezo por ahí. Pero lo que Pixar hace no es cine de animación. Ni cine para niños. Estas etiquetas no me sirven. Sus films, especialmente a partir de Monstruos S.A., son cine “real”. Más real que el 99% del cine que podemos llamar “de imagen real”. Y es cine adulto. Wall•E es cine lleno de hondura y sabiduría que crece dentro del espectador, que le invita a soñar y vivir en un mundo paralelo pero reconocible. El lenguaje que articula el señor Andrew Stanton como director y padre de estas prodigiosas criaturas posee tal cantidad de referentes y una imaginación tan fabulosa que difícilmente un chaval sabrá valorarla como lo que es: arte.

La historia de amor, situada en torno al año 2700, en una Tierra deshabitada y hundida en la basura, protagonizada entre Wall•E (personaje legendario desde ya, que capacidad gestual y profundidad emocional le otorgan sus creadores, influenciada por el E.T. de Spielberg, no se si solo me lo parece a mi) y Eva, el primero un robot oxidado al que olvidaron “retirar” de circulación, y el otro de última generación, deslumbrante y sofisticado, su romance, decía, es una excusa para asombrarnos con lo giros de guión, para maravillarnos con la magnífica factura técnica del film (sin las limitaciones de las películas de imagen real), con su puesta en escena, con su ritmo vertiginoso y sereno a un mismo tiempo, para hechizar al espectador ante la belleza y la poesía que inundan la película hasta hacerla rebosar.

Con una crítica nada disimulada a la sociedad vorazmente consumista de occidente y con un marcado mensaje ecologista como únicos lastres, por subrayados en exceso, y que suponen la única concesión al público infantil, Wall•E es un film de visión obligatoria. Un suculento homenaje a la ciencia ficción que se disfruta en un suspiro, con perplejidad constante ante el ingenio ilimitado que atesoran sus creadores para mantenernos 100 minutos en un estado permanente de ensoñación tal que quisiéramos no acabase nunca.

NACE AL DESVÁN

Desde nuestra página queremos da la bienvenida y todo nuestro apoyo a al desván, una tienda virtual de diseño de camisetas de la que algúno de los miembros de Gesloten es colaborador.

Por el momento se han lanzado cuatro modelos diferentes, pero poco a poco irán seleccionando entre sus muchas ideas para ir sacando nuevos diseños.

Si quereis más información, visitad aldesván.es y os enterareis de todos los detalles.

THE CHARLATANS: YOU CROSS MY PATH

Aprovechando el reciente paso por España de The Charlatans, concretamente en el festival BBK Live de Bilbao –donde estuvieron fantásticos-, os recomiendo su último disco –el que para mí es uno de los mejores en lo que llevamos de año-. La banda de Tim Burgess hizo lo mismo que Radiohead y a principios de marzo ofreció “You cross my path” gratis a través de Internet (30.000 descargas la primera semana). El 19 de mayo, el álbum salió a la venta en las tiendas habituales. La versión especial lleva otro CD con canciones en directo (entre ellas su concierto del año pasado en la terrible sala Joy Eslava), inéditas y los vídeos de los singles “Oh! Vanity” y el que da título a este trabajo.
The Charlatans reaparecen para aportar la frescura y espontaneidad del denominado sonido Manchester, la ciudad británica de la que proceden junto a otras bandas como Stone Roses o Happy Mondays. Tras un par de trabajos algo flojos, el grupo levanta cabeza con “You cross my path”, siempre acompañados de su seña de identidad en algunos temas: el característico órgano Hammond, que hace muy bien su labor en la preciosa “Bird”. Está claro que no vienen a salvar la música ni a aportar giros estilísticos hasta ahora nunca vistos. No lo necesitan, en muchos casos lo simple es mil veces mejor que rizar el rizo para llegar a ninguna parte. Desde “Oh! Vanity”, tema que abre el álbum, hasta su genial cierre, “This is the end”, The Charlatans demuestran que siguen en buena forma.

LO MEJOR: las musas han vuelto a verles (no a lo bestia, pero sí muy correctamente).
LO PEOR: este año, varios artistas más famosos han sacado nuevos trabajos y The Charlatans han pasado algo desapercibidos.
DESTACABLES: “Oh! Vanity”, “You cross my path”, “Mis-takes”, “Bird”, “This is the end”.
CALIFICACIÓN: 7,5/10

DISCOS 2008: SEGUNDO SEMESTRE

2008 está resultando ser un año con un nivel musical altísimo. A pesar de ciertas decepciones anunciadas por otra parte (Madonna, R.E.M) o desagradables por lo inesperado (Guillemots), el catálogo de álbumes magníficos es abundante: The last shadow puppets, Vampire weekend, Coldplay, Pastora, Fleet foxes, Cyndi Lauper, Cut copy, Sigur rós, e incluso Moby entre otros.

A comienzos de año, Lady Foster llevó a cabo un post con el anuncio de algunos de los trabajos discográficos mas interesantes sobre el papel para este año. De cara a lo que queda de año, tomo el testigo y analizo brevemente los que considero tendrán mayor repercusión en esta segunda parte de 2008. Son los siguientes:

The cure; ¿Qué podemos esperar de Robert Smith a estas alturas? Poco, nos tememos. Este grupo está atrapado en 1985. Que horror. Su estrategia de lanzar un single cada día trece durante cuatro meses, lejos de generar expectación, ha causado el efecto contrario, y el desinterés crece y crece ante la mediocridad de los nuevos temas presentados. Conscientes de ello, The cure no paran de retrasar el lanzamiento de su 13er largo. A estas alturas ya nadie sabe muy bien si será un disco o será doble, como se llamará o para cuando verá la luz. La respuesta a estas preguntas posiblemente ni la propia banda las conozca. Creo que directamente deberían regalarlo, hacer un Radiohead y pasar a otra cosa mariposa. Nivel de interés; Se hunde por momentos, acercándose al grado inexistente. Web, aquí.

Kaiser chiefs; uno de los grupos mas pesados de los últimos años vuelve a sacar disco en 2008, a pesar de lo reciente que nos queda “Yours truly, angry mob” (2007). Tercer LP en cuatro años de un grupo que por mucho que se rodee de Mark Ronson o de Lily Allen (o tal vez por ello), ya sabemos lo que nos ofrecerá: pop de tercera, estribillos aburridos y hooliganismo por los cuatro costados. Sale el 13 de octubre, se llamará “Off with their heads” y ya que Björk no nos deleitará con nuevo material, pues es aspirante de pleno derecho a convertirse en el disco coñazo del año, salvo cataclismo. Nivel de interés: No duermo por las noches, de hecho. Web, aquí.

Keane; Tras el discutido “Under the iron sea” (2006), Keane prometen un giro estilístico en condiciones. Productores de renombre y prestigio (Jon Brion y Stuart Price), secciones de cuerda por vez primera en su carrera y un tema de presentación excitante (“Spiralling”) han elevado mis expectativas en los de Sussex. “Perfect symmetry” nos sacará de dudas el 13 de octubre, aunque antes conoceremos otro tema, “Lovers are losing” como single de adelanto. Nivel de interés: Aumenta por momentos, tras cierta apatía inicial. Web, aquí.

The killers; Después del giro rock de “Sam’s town” (2006) con respecto a su debut, “Hot fuss” (2004), la banda del bello Brandon Flores vuelven a confiar en Stuart Price para continuar conquistando el mundo. The killers es una banda a la que nos resulta muy sencillo imaginar llenando aforos de miles de espectadores allá donde vayan. Por desgracia su progresión musical no camina siempre a la par que su imparable fama mundial. Su tercer disco (obviamos “Sawdust”) se llamará “Day and age”, los primeros rumores apuntan a un disco mas electrónico con predominio de los synth frente a las guitarras y saldremos de dudas en Noviembre. Nivel de interés; Alto, son un grupo interesante, y siempre ofrecen un par de temazos por disco mínimo como garantía. Web, aquí.

Kings of leon; “Only by the night” será la continuación de “Because of the times” (2007). Este último disco contenía cuatro o cinco temas vibrantes, aunque el tono general es demasiado deudor del rock de los 70, con Led Zeppelín y The doors como referente principal. Aunque aquí apenas nos enteramos de su existencia, en Reino Unido han obtenido un éxito considerable que les ha llevado a encabezar el cartel de Glastonbury este año. Con “Only by the night” los norteamericanos intentarán mantener el momento, o por qué no, convertirse en el próxima gran sensación a nivel mundial. El 22 de septiembre lanzan este “Only by the night” pero antes podremos escuchar su sencillo “Sex on fire”. Nivel de interés: Medio. No son un grupo que pueda apasionarme pero cuando están inspirados son arrolladores. Web, aquí.

Massive attack; Cuando una banda empieza a dar largas, a hacer y deshacer y a rehacer sus nuevos temas, mala señal. Es lo que llevan haciendo Massive attack durante meses y meses. Por fin cuando se atreven y filtran varias de las canciones, la recepción no es precisamente entusiasta, si no que la decepción sobrevuela sobre su nuevo álbum. Tendremos la ocasión de escucharlas en el Ola festival en unos pocos días, y tal vez entonces podamos ser optimistas...”Weather underground” ha sido producido por Neil Davidge y no tiene fecha de lanzamiento oficial. A nadie podrá sorprenderle que en 2009 sigamos anunciando su inminente puesta en circulación. Nivel de interés; Menguante aunque todavía considerable. Web, aquí.

Oasis; Su disco nº …? Bah no importa demasiado. Los Gallagher parecen más viejos que los Stones y además nunca se caracterizaron por su inquietud ni deseos de sorprender, así que graban el mismo disco una y otra vez. Cuando les salía bien nos aburríamos (“(What’s the story?)Morning glory” o “Definitely maybe”), y el resto de ocasiones a duras penas controlamos nuestros deseos de contratar a un par de matones para dar descanso al resto de los mortales. Ya sabéis lo que nos espera. Mucho pop clásico de ese que gusta a los padres (sí, como los Beatles), mucha frase salida de tono en la prensa contra todo músico que atesore mayor talento que ellos y mucho auto-bombo del tipo “Somos la mejor banda del mundo”. Mi psiquiatra lo llama síndrome de inferioridad. “Dig out you soul” se publica el 6 de Octubre, y una semana antes su single “The shock of the lightning”. Nivel de interés: Nulo, me pregunto, como casi todo el mundo, por qué no se separaron cuando amenzaron con hacerlo. Web, aquí.

The radio dept.: De la continuación de “Pet grief” (2006) la banda sueca nos ha adelantado un EP “Freddie and the trojan horse” repleto de belleza y de promesas ante lo que se nos viene encima. Una vez mas la magia, los sueños inalcanzables y una melancolía arrolladora e inabarcable. Tras enamorarnos antes, ahora no nos conformamos con menos. Su tercer largo no tiene título ni fecha definitiva de lanzamiento. En Labrador lo resumen con un escueto Fall 2008. Si no es tan maravilloso como aparenta ser y como será, lo consideraré un fracaso. Nivel de interés: Infinito y lo de después. Es mi disco de este año. Las probabilidades de cierta decepción por tanto, altas también. No aprendo.

Travis: Otro de los grupos que tienen prisa por engordar su discografía. Hace apenas un año presentaron “The boy with no name”, álbum que pasó desapercibido y con apenas un par de temas notables enterrados en la mediocridad general. Tal vez por ello no han querido hacer esperar a sus fieles, pero la cosa pinta muy, muy fea. El nombre del disco “Ode to J Smith” y la portada auguran los peores presagios. Ellos defienden sus prisas en la consabida “urgencia creativa”. Veremos. ¿Cuándo? El 29 de Septiembre. Nivel de interés; Poco. Son Travis. Web, aquí.

U2; definitivamente desbancados por Coldplay como el grupo mas exitoso del mundo, Bono intentará recuperar el terreno perdido con su nuevo material. Grabado entre Francia y Marruecos, su primer álbum desde 2004, ha contado con dos de sus productores de cabecera Brian Eno y Daniel Lanois. Hace meses Bono declaró: “Hay algunas influencias trance. Pero también hay algunas guitarras muy hardcore que está haciendo The Edge. Verdadero metal”, pero estas declaraciones parecen las clásicas salidas de tono para generar expectación. Los últimos rumores apuntan, una vez más, al rock clásico muy lírico. Se rumorea que sale en Noviembre, pero no es oficial. Nivel de interés; desde “Pop” no he escuchado ninguno de los discos de U2, mas allá de los singles inevitables. Despropósitos como “Vertigo” o “Elevation” todos los hemos padecido. ¡Que lejos queda "Achtung baby"! Web, aquí.

LA LOCURA DE DUBAI Y ABU DHABI

En los Emiratos Árabes Unidos, y en especial en Dubai y Abu Dhabi, se han dado cuenta de que el petróleo (su principal fuente de ingresos y lo que ha convertido a este estado en uno de los más ricos del continente asiático) es una fuente de riqueza que se terminará tarde o temprano, por lo que han decidido apostar por el turismo. Pero no un turismo cualquiera como el que estamos acostumbrados en España, de playa y chiringuito, sino un turismo de lujo, para lo cual no están escatimando en gastos y sobre todo en ideas, cada cual más peregrina, para hacer de estos emiratos los más vanguardistas, futuristas y lujosos en el que todas las celebrities del planeta querrán tener su exclusiva propiedad. De esta manera, en Dubai han conseguido ganarle terreno al mar para construir cuatro urbanizaciones de lujo, Palm Jebel Alí, Palm Jumeirah y Palm Deira (si, con forma de palmera vistas desde el cielo) y The World (con la consiguiente forma de mapamundi) en donde ya tienen su vivienda veraniega Michael Jackson o David Beckham.

Palm Deira y The world

Pero si a nivel de urbanismo están consiguiendo cosas hasta ahora impensables, arquitectónicamente no se quedan cortos. Así, los más impresionantes rascacielos, como la Rotating tower de David Fischer, en la que cada una de las plantas de su edificio va girando 360 grados a distintas velocidades, con lo que las vistas desde tu vivienda nunca son las mismas, Burj Dubai, que con sus 750 metros de altura será el edificio mas alto del mundo, o la Wave tower de A-cero, que nace del mar para crecer hasta una altura de 370 metros, se están construyendo actualmente.

Rotating tower, Burj Dubai y la Wave tower

Pero estos proyectos no son sino la punta del iceberg de un conjunto megalomaniaco de propuestas en las que unos cuantos nombres importantes del mundo de la arquitectura están involucrados:

Waterfront City en Dubai: el arquitecto holandes Rem Koolhaas diseñará una ciudad sobre otra isla artificial de 1,3 x 1,3 kilómetros (cinco x cinco calles), que con la misma densidad que Manhattan, será la primera ciudad ecológica en la que no será necesario el uso del automóvil para moverse por ella, y en la que la temperatura será controlada por el propio diseño de cada uno de los edificios. Según Koolhaas, será una ciudad multicultural y multirracial, en la que vivirán noventa y dos mil personas y trabajarán trescientas diez mil más, muchas de ellas en alguno de los edificios más emblemáticos del arquitecto, como el llamado Death Star por su parecido con la “Estrella de la muerte” de Star wars.

Masdar city en Abu Dhabi: Sir Norman Foster, que no podía ser menos, es el encargado de diseñar la ciudad sostenible para Abu Dhabi, la competencia de Dubai. Esta ciudad, igual de ambiciosa que la Waterfront city en su diseño, pretende ser la primera ciudad con cero emisiones de CO2 en la que vivirán cincuenta mil personas. Para ello, se ha tenido muy en cuenta la orientación de los edificios, que no superarán en ningún caso las cinco plantas, y se crearán torres eólicas que recogerán la brisa del desierto y expulsarán el aire caliente.

En fin, parece que los grandes arquitectos se están dedicando a jugar al Sim city a escala real ya que esto es el sueño de cualquiera que se dedique al mundo de la arquitectura.

Saadiyat Island en Abu Dhabi: para hacer más aún la competencia a su vecino Dubai, han creado una enorme isla artificial a 500 metros de la costa que pretende erigirse como el centro cultural y artístico de todo el continente asiático. Así, Frank Gehry creará el mayor museo Guggenheim del mundo, Tadao Ando es el encargado de diseñar el Museo del Mar, Zaha Hadid construirá el Centro de desarrollo artístico de Saadiyat y Jean Nouvel realizará el museo de arte clásico. Un quinto museo, el Museo Nacional Sheikh Zayed, se realizará convocando un concurso internacional, y será dedicado a la historia y tradiciones de Abu Dhabi. Además, se creará un conjunto de pabellones para albergar exposiciones y una bienal de arquitectura. Desde luego, un proyecto ambicioso donde las propuestas presentadas por cada uno de los arquitectos son absolutamente espectaculares.

La propuesta de Zaha Hadid y el proyecto de Jean Nouvel