FLEETWOOD MAC EN LAS GASOLINERAS

En el lejano 1977, los británicos Fleetwood Mac publicaron su álbum “Rumours”, que durante algunos años (hasta que llegó “Thriller”) fue el álbum más vendido de la historia, y hasta los 90 el disco más vendido nunca por una banda (les destronaron Backstreet boys, que tiempos). Pues bien, curioseando por ahí, quien me mandará a mi, me he encontrado con esto; un grupo llamado “Rey Morao” (sic.), que acaban de lanzar un CD de estos que te encuentras en gasolineras y bares de carretera, con una portada cuyo parecido, diría yo, es más que razonable. Vamos que como podéis ver es idéntica.....Después de echar un ojo al tracklist (con títulos tan sugerentes y poéticos como “Tu amor me quema”, “Vacilón” o “Perra callejera”) me ha parecido que Rey Morao no seguirán las directrices estilísticas de los Fleetwood Mac, podéis llamarlo intuición masculina. Entonces, ¿a que viene el homenaje?. ¿Admiran en Jerez a Fleetwood Mac hasta tal punto? ¿Homenaje o plagio? La eterna pregunta sin respuesta. En cualquier caso, mi más sincero apoyo por intentar dignificar el denostado genero de “cassette de gasolinera” y por su refrescante sentido del humor (esa mandarina no tiene precio). Podéis votar vuestra favorita.

RADIOHEAD: IN RAINBOWS

Radiohead son para sus fans como una religión. Desde que editaran Ok computer en 1997 transcendieron lo musical para convertirse en algo mucho más grande, una especie de dioses venerados por todo lo que hacían. Ellos mismos se encargaron de alimentar este nuevo estatus con sus mensajes cifrado, sus DVDs, su imaginería personal, sus textos, la imagen de perdedor existencialista de Thom Yorke y sus directos supuestamente apoteósicos. A partir de este disco y sobre todo con los dos siguientes, Kid A y Amnesiac, sus lanzamientos discográficos eran seguidos casi más por lo extramusical que por la música en sí. Hay en estos dos discos una evolución hacia la experimentación que para los seguidores de The bends no fue muy bien recibida, ya que por el camino perdieron parte de la emoción que producía escuchar canciones como Street Spirit o High and dry en favor de la búsqueda de nuevos caminos. Y la edición de Hail to the thief (su peor disco) en la que ya no existía casi ninguna canción digna de ser recordada les hizo perderse un poco en el olvido.

Y de repente, y sin que nadie estuviese al tanto, van y sacan In rainbows, de nuevo rodeado por noticias extramusicales para alimentar su leyenda: el hecho de publicar el disco directamente en internet y permitir que cada uno pague por el lo que le venga en gana es un gran golpe a la industria musical y ¿la solución a tema tan polémico y discutido en nuestro tiempo sobre el futuro de la música y de la cultura? Veremos

La buena noticia es que en In rainbows no solo lo extramusical es importante, sino que podemos volver a hablar de música, porque In rainbows es UN GRAN DISCO!!! Radiohead han vuelto en plenas facultades, y nos traen grandes canciones. Ahora parece que sus discos entre Ok computer y este han sido necesarios para que su capacidad para experimentar con nuevos sonidos y la de hacer grandes canciones llenas de sentimientos se encuentren en perfecto equilibrio. Así, In rainbows se abre con un tema que se inspira en el estilo de Kid A o Amnesiac, entre el free jazz y el easy listening, para rápidamente, pasando por su tema más rockero en años (Bodysnachers) entregarnos algunas de las canciones más emocionantes de sus discografía, temas clásicos en el mejor sentido de la palabra, que están a la altura de sus mas bellas canciones (Karma police, Street Spirit o Let down) como pueden ser Nude o All I need, para mí el mejor tema del disco, una canción hipnótica con un estribillo realmente precioso en el que Thom canta como nunca, casi llorando, que la acerca mucho a Climbing up the walls, en la cadencia sonora que se repite una y otra vez mientras el piano va aumentando su intensidad hasta el climax final. Faust arp, Reckoner o Jigsaw falling into place son otras grandes canciones de este disco, en las cuales continúan con la experimentación, mutando su sonido desde el comienzo hacia el final de cada pieza, pero sin renunciar a los estribillos y a estructuras de alguna manera clásica de canción.
Felicidades, Radiohead vuelven a ser grandes

Lo mejor: All I need, grande, muy grande, directa al top ten de canciones de este año
Lo peor: Bodysnatchers, típica e innecesaria
Puntuación: 8/10

ARQUITECTURA EN MADRID: MATADERO

De un tiempo a esta parte en Madrid están apareciendo gran cantidad de espacios y edificios de calidad que nos colocan a la cabeza mundial en cuanto a arquitectura y vanguardia se refiere. Ya no tenemos nada que envidiar a otras ciudades como Berlín, Londres o incluso Nueva York que siempre han sido referentes porque en nuestra ciudad tenemos ya un numerosos ejemplos de los que nos iremos haciendo eco en este blog.

Del primer espacio del que quiero hablar es del nuevo espacio artístico-cultural que ha aparecido en la capital: Matadero Madrid, ubicado en los antiguos mataderos en el paseo de la Chopera junto a Legazpi (un lugar un tanto abandonado de la ciudad), un conjunto de naves que se han rehabilitado para albergar espacios de exposiciones artísticas, arquitectónicas y obras de teatro (gran parte del festival de Otoño se celebra allí).

Hace poco que estuvimos Monsieur August, nuestro amigo Murdock y yo para ver una obra de teatro, y fue una muy grata sorpresa lo que nos encontramos, un enorme espacio vanguardista que me recordó al Berlín de hace unos diez años, donde se respiraba un ambiente de cultura efervescente y muchas ganas de hacer algo nuevo por toda la ciudad y que actualmente se ha perdido un poco en esta gran ciudad.

El proyecto original data de 1910, realizado por Luis Bellido, y que nos sorprendió por la belleza de las naves que poco tiene que ver con el uso al que fueron destinadas (¿matadero de vacas y belleza pueden ir unidos? pues resulta que sí) de ladrillo y estilo neomudéjar tan presentes en la arquitectura de Madrid de esa época. El matadero estuvo en funcionamiento hasta 1996, año en el que se decide su reconversión en espacio multidisciplinar para las artes y cultura.

Numerosos arquitectos están participando en la rehabilitación de las 15 naves de las que se compone este centro, que no estará acabado hasta el 2011, aunque ya se puede disfrutar de muchas de ellas, como las naves del teatro o su café, realizado por el arquitecto Emilio Esteras y el escenógrafo Jean Guy Lecat. Lo que más me ha llamado la atención es el buen gusto y delicadeza con que se han llevado a cabo las obras de estos espacios: con mucha imaginación y pocos elementos se ha conseguido crear espacios realmente espectaculares donde se ha pretendido respetar absolutamente su arquitectura original y no realizar grandes alardes arquitectónicos. El café es el espacio que más me ha gustado: con unas telas de color rojo, un graderío en medio de la sala en tonos rojos y negros y unas lámparas de estilo industrial se ha creado un lugar realmente acogedor donde merece la pena ir a tomar unas cervezas aunque no se vaya a ver ninguna representación en su teatro.
Creo que ha nacido un lugar que pronto se va a convertir en un referente cultural de nuestra ciudad.

Puedes visitar su página web e informarte de todos los eventos que se van a realizar.

MI VIDEO DE LA SEMANA: "2 HEARTS" DE KYLIE

Porque ella se lo merece, ¿no está guapísima?, porque le va a dar con un palmo en las narices a aquellos fans tan rancios que solo esperan otra canción petarda, porque me cae muy bien, porque hace muy bien en imitar a mi amada Alison goldfrapp, aquí está el nuevo single de Kylie, Two hearts

SIGUR RÓS: HEIMA Y HVARF/HEIM

Los fans de Sigur rós estamos de enhorabuena. Y es que cada lanzamiento suyo es un verdadero regalo para todos los sentidos, por la delicadeza que envuelve todo lo que hacen.

Por un lado se estrena Heima, un documental que relata su última gira por Islandia, dirigido por Dean DeBlois (autor de la película de animación Lilo & Stitch) en el que no solo podemos ver imágenes de sus imprescindibles conciertos sino que también ofrece un recorrido por parajes de este extraño y maravilloso país. Esta película será estrenada en salas de cine en Madrid y Barcelona, no os lo debéis perder.

Además se lanza un doble cd llamado Hvarf/Heim (algo así como desaparecer/casa). El primero es la recopilación de cinco temas que ya han sonado habitualmente en sus directos pero que nunca antes se habían grabado en estudio, excepto Haffsol (maravillosa pieza de gran intensidad que salió acompañando al single Saeglopur del disco Takk) y Von (una versión mucho más emocionante que la canción que ya apareció en su primer disco, de una belleza sobrecogedora).

El segundo cd es la versión en acústico de algunas de sus grandes canciones como Stararful o Vaka, que tocadas de manera tan desnuda y delicada te ponen la piel de gallina...

Y es que cada vez que Sigur rós sacan un nuevo disco me recuerdo a mi misma por qué estoy tan enamorada de Jónsi, su cantante: alguien capaz de producir tanta belleza no puede ser humano, debe ser un angel.

Puedes ver aquí el trailer de Heima o escuchar Haffsol en este enlace.

PET SHOP BOYS, RETROSPECTIVA (I)

Al 75% de Gesloten nos gustan desde que éramos unos enanos. Con los años han perdido en gracia lo que han ido ganando en prestigio y reconocimiento. Se la vie. ¿Tendra algo que ver que han dejado de ser mainstream, para ser grupo de culto?. Repasamos cada uno de sus álbumes de estudio.

Please (1986)

Cuentan que Neil Tennant (vocalista) y Chris Lowe (teclados) se conocieron en una tienda de discos a primeros de los 80. Hoy tal cosa sería poco probable, pero afortunadamente para sus fans en aquellos años la gente compraba discos...Poco después graban su primer trabajo, que tal como explican debe su nombre a que podías ir a la tienda y decir “Can I have the pet shop boys album, please?”. A fecha de hoy sigue siendo de los más notables de su carrera y marcan sus señas de identidad: melodías que se apoyan en bases electrónicas, letras irónicas o directamente mordaces, gusto por los arreglos elegantes y actitud impasible. Contiene clásicos como “West End girls” (su primer single, y su primer número 1 en Gran Bretaña), “Suburbia” o “Loves comes quickly”.

LO MEJOR; Su sonido engancha desde la primera escucha.
LO PEOR; La versión buena de “Suburbia”, la que todos conocemos, no es la que trae este álbum. Se publicaría en el de remezclas, “Disco”, unos meses más tarde.
IMPRESCINDIBLES; “West End girls”,“Violence” y “Love comes quickly”
CALIFICACIÓN; 8,25/10.

Actually (1987)

Su segundo álbum no modifica las directrices estilísticas que se marcaron en su debut. De manera que “Actually”, viene a ser una puesta al día de aquel, eso si agrandado y mejorado. En pocas palabras, es su obra cumbre. Una colección de canciones que te hacen sentir especial y que apunta en todas direcciones: el arrebato y la pasión (“Heart”, “One more chance”), la soledad y el desencanto (“King Cross” , “It couldn’t happen here” con base orquestal de Ennio Morricone), esa “mercenary- love- song” que es “Rent”, la reivindicación no carente de ironía (“It’s a sin”) y todo con una intensidad que nunca volverían a trasmitir posteriormente...El dúo crece como banda, son mejores músicos, la producción es más sofisticada, y cada uno de los cortes del álbum son cuidados con mimo. Discazo clave de los 80.

LO MEJOR; Sigue emocionando/divirtiendo como el primer día.
LO PEOR; Nunca después alcanzaron este nivel.
IMPRESCINDIBLES; “One more chance”,“Rent”,“King Cross” y “What have I done to deserve this?”(por señalar algunas)
CALIFICACIÓN; 9,6/10.

Introspective (1988)

Tercer trabajo de Pet shop boys en tres años. Demasiado en poco tiempo. Tal vez sea por eso que este álbum solo contiene seis temas, eso sí, para poder despacharlo como un LP, incluyeron las versiones maxi que tanto se llevaban en los 80, y que no terminaban nunca. De esta forma escuchar temas brillantes como “I’m not scared”, popularizada realmente por Eighth Wonder, “It’s alright” o “Domino dancing” requiere buena dosis de paciencia, puesto que cada una se alarga siete u ocho minutos. Álbum orientado a la pista de baile e influenciado en cierto modo por el movimiento house.

LO MEJOR; La brillantez de la mayoría de los temas.
LO PEOR; “Left to my own devices” demasiado autocomplaciente, de lo peor que han grabado.
IMPRESCINDIBLES; “It’s alright”
CALIFICACIÓN; 6/10.

Behaviour (1990)

Su primer trabajo de los 90 es uno de los que menos he escuchado. Nunca me ha parecido, ni mucho menos, ni la mitad de bueno de lo que se dice por ahí. Cierto es que tiene uno de sus jitazos imprescindibles “Being boring”, pero la mayoría de los temas me parecen como lánguidos, a medio gas, piden a gritos un poco de acción. Un álbum comedido en exceso y posiblemente con algunas de las composiciones menos inspiradas de su carrera (ej.“To face the truth”, “Only the wind”...). Johnny Marr participó en un par de canciones.

LO MEJOR; “Being boring” y su hedonista clip obra de Bruce Weber.
LO PEOR; Un disco de Pet shop boys puede producir rechazo, nunca indiferencia.
IMPRESCINDIBLES; “Being boring” y “Jealousy”
CALIFICACIÓN; 5/10.

Very (1993)

Tras la calma de “Behaviour”, llega la tormenta de “Very”. Es su disco más exuberante y excesivo (de hecho lo llamaron así porque era “muy” en todos los aspectos) además de petardo hasta el límite de lo soportable, y “Go west” o “One in a million” lo demuestran. Son dos canciones inaguantables. Sin embargo no olvidan el pop elegante que facturan como nadie para darle un poco de oxigeno al conjunto (“To speak is a sin”, “Liberation”). El resultado final es positivo gracias a estribillos arrolladores como los de “Yesterday when I was mad” o “A different point of view”, y no son los únicos.

LO MEJOR; Con “Very” la diversión está asegurada
LO PEOR; “Go west” y “One in a million”, que no obstante son coherentes con el concepto del disco.
IMPRESCINDIBLES; “A different point of view”, “Liberation” y “Yesterday when I was mad”
CALIFICACIÓN; 7/10.

GESLOTEN DENUNCIA: SUZANNE VEGA EN MADRID

Suzanne Vega actúa el próximo día 30 en Madrid, en el teatro Calderón (el de los helados). Pero la noticia, aún prodigándose tan poco la neoyorquina, no es esa. La noticia son los D-E-S-O-R-B-I-T-A-D-O-S precios de las entradas. Sesenta y cinco euros, nada menos, si si, 65. Es por eso que Gesloten lamenta profundamente no poder presenciar su actuación, a pesar de las ganas que tengo de escuchar su último álbum en directo, ese “Beauty & crime” (2007) que es lo mejor que ha grabado desde el maravilloso “Solitude standing” (1987). Por otro lado nos gustaría poder decir que hemos conseguido acreditaciones, pero no os queremos mentir. Y tampoco nos gusta que nos atraquen alegremente. Esperamos que, querida Suzanne la próxima vez no te subas tanto a la parra. Una cosa es la admiración, y otra la estupidez.

PETER BJORN AND JOHN; COMO CONQUISTAR LA PERIFERIA Y CAMBIAR NUESTRO MUNDO

Hace año y medio aproximadamente que escuchamos el excelente tercer trabajo de Peter Bjorn and John “Writer’s Block”, y antes de eso ya habíamos escuchado la pegadiza (o pegajosa?)“Young Folks” hasta en la sopa. Pues bien, después de pasado tanto tiempo, resulta que la canción, a la que se llama en un derroche de imaginación, la del “silbidito”, es todo un fenómeno social. Aparece en series de televisión de aquí y de USA, programas del tipo Supermodelo, publicidad de más series de televisión, cortinillas varias y la propaganda de su tono y politono te la plantan en los programas mas insospechados. ¿Alguien pudo pensar que los conceptos “Peter Bjorn and John” y “Programa de Patricia” pudieran unirse?. Y no es el único, Dios sabe que no miento...¿Ciencia ficción? No, real. Me parece tronchante como te venden el “tono del silbido”, justo entre el de Soyaya y el del himno del Sevilla(!!). Y lo ultimo, en los 40 anuncian el estreno(¡!) de su video clip. Creo que para el mes que viene planean lanzar en exclusiva mundial el True Blue de Madonna.

Pero vamos al grano, y es que varias dudas me asaltan ante el fenómeno musical del año: ¿Conseguirán Patricia o el tomate elevar un poco la culturilla musical de sus espectadores?. ¿Suena el pop elegante y matizado de los suecos en los antros de costa polvoranca? ¿No falta el “Writer’s Block” en los refinados botellones practicados en los polígonos industriales de las afueras de las grandes urbes españolas (ya sabéis coches tuneados, chicas y chicos elegantes, buen rollo en el ambiente, carreras ilegales etc.)?. Se meterán mano en un futuro próximo los Jonathan y las Jennis del mundo después de ponerse tiernos con algo de Belle & Sebastian? Veremos al Rockdelux afirmar del disco de Bustamante que “es un prodigio de sensibilidad, una montaña rusa de emociones encontradas y una vuelta a sus fecundas raíces musicales”?... Preguntas sin respuesta todavía. Pero una cosa parece clara, “Young folks” podría cambiar nuestra civilización, tal como la conocemos.

ROISIN MURPHY, “OVERPOWERED”: CONFESIONES EN LA PISTA DE BAILE

Nunca fui capaz de encontrarles una pizca de gracia a Moloko, y por eso no presté la más mínima atención al primer disco de su cantante Roisin Murphy “Ruby Blue” (2005). Debe ser que la gente tan cool me aburre mogollón. Y si algo es Roisin Murphy, es mega-mega-cool. Su nombre es sinónimo de modernidad. Estoy dispuesto a apoyar cualquier campaña para que su foto aparezca en el diccionario junto a su definición.

Sin embargo después de escuchar sus dos primeros singles, la hipnótica “Overpowered” y “Let me know” decidí vencer mis miedos y prejuicios más profundos (uno que es un blando) y dar una oportunidad a su segundo disco de estudio. Reconozco que Roisin tiene esa frialdad tan estudiada que la convierten en una artista atractiva. Tiene ese aire imperturbable propio de las estrellas de los años 50, eso si adaptada a los tiempos. Su “Overpowered” es un disco de baile divertido, pletórico y hedonista. Un álbum repleto de estribillos que enganchan prácticamente uno tras otro, pero con unas composiciones que esquivan con habilidad la estructura típica y manida de canción de baile de artistas tan aburridas y de dudoso talento como Kylie Minogue. De manera que la mayoría de los temas encuentran recovecos que los permiten respirar y evitar los lugares comunes del género “disco-de-baile-electrónico”. Además de descubrir hallazgos propios que lo llevan un paso adelante evitando muchos clichés (un buen ejemplo es la sugerente “Primitive” o “Dear Miami”). La electrónica al servicio de la inteligencia musical, mirando adelante en vez de al pasado.

En cualquier caso, catorce temas son muchos, y la inspiración tiene altibajos. Algunas de las canciones me valen como recordatorio de los motivos, uno por uno, por los que no aguanto a Moloko, lo trillado de “Footprints”, lo tedioso de “Checkin on me”, y lo vulgar de “Tell everybody”.

Pero definitivamente, es fácil olvidarse de ellas cuando con simplemente pulsar el skip te encuentras con exultantes ejemplos de perfectas canciones pop como “You know me better”, “Body Language” o “Let me know”. Un disco fácil de disfrutar y admirar, aunque no llegue a apasionar y que, si viviéramos en un mundo justo, convertirían a Roisin en una estrella mainstream en toda regla.

LO MEJOR; Que Madonna debe estar muerta de envidia.
LO PEOR; Que no vaya a vender ni la mitad que Kylie.
IMPRESCINDIBLES; “Overpowered”, “Let me know”, “You know me better”
CALIFICACIÓN; 7,5/10

MONSIEUR AUGUST EN BARCELONA

Hoy empieza una nueva aventura para Monsieur August, se nos marcha a Barcelona a vivir!!!! Será por mucho tiempo? El resto de miembros de Gesloten queremos desde aquí desearle mucha suerte en este nuevo periplo, y por supuesto que no deje de escribir en esta página!!

THE CURE: RETROSPECTIVA (Y II)

Disintegration (1989)

Después de la fiesta llega la resaca… A punto del inicio de una nueva década parece que Robert Smith ya sabe que el mundo comienza a avanzar hacia su fin. Ya no quiere hacernos disfrutar, sino sufrir otra vez. El inicio del disco con Plainsong y sus canpanitas que dan paso a un potente órgano ya nos refleja que algo no marcha bien: “I think is dark and it looks like rain…”
Disintegration es sin ninguna duda su OBRA MAESTRA, un disco que debería figurar entre los 20 mejores discos de la historia de la música. Doce enormes canciones que nos hablan del miedo a la madurez, del desamor, de la locura, de la muerte… una vuelta a su temática habitual, pero tratada de manera magistral. Es su disco más ambicioso, con una producción exquisita y un sonido muy rico en matices, donde teclados y sintetizadores sobresalen por encima del resto de instrumentos creando texturas preciosas para unas canciones complejas, sin estribillos en su mayoría pero que van creciendo y creciendo hasta llegar al éxtasis final (Disintegration, más de ocho minutos apoteósicos).

Lo que en principio parecía un suicidio comercial (dado el éxito que tuvieron sus anteriores discos de pop luminoso y el hecho de sacar como primer single una de las canciones más extrañas y oscuras que nunca hayan grabado, Lullaby) se convirtió en un enorme éxito de ventas y por supuesto de crítica. Fascination street es una canción espectacular donde The Cure muestran su enorme talento musical, Pictures of you es una de las canciones de desamor más maravillosa jamás escrita, mientras que Lovesong es a su vez una canción al amor más optimista. Un disco con una enorme coherencia y unidad que recorre todos los sentimientos para acabar de nuevo en la tristeza: “i´ll never loose this pain, never dream of you again.”

En definitiva, un disco totalmente imprescindible

Lo mejor: Pictures of you por poner algún ejemplo pero podría ser cualquiera
Lo peor: Nada??
Puntuación: 10/10

Wish (1992)

Superar el nivel de su disco anterior era una tarea muy difícil, pero con Wish casi lo consiguen, y si no llegan a conseguirlo no es por sus canciones (otra magistral colección de grandes temas) sino porque este disco tiene menos unidad que su predecesor. Disintegration era un disco conceptual mientras que Wish se mueve entre todos los estilos musicales que The cure han hecho en su historia y convierten este disco en una montaña rusa de sensaciones: así, podemos encontrar canciones tan oscuras y rockeras como la que abren y cierran el disco, Open y End, que funcionan como un bucle entre el que se encuentran el resto de canciones, o las más perfectas canciones pop que han escrito en su vida (High, Doing the unstruck o Friday i´m in love, canción que dicen haber escrito en media hora durante un ensayo y que se convirtió en su mayor hit de todos los tiempos) y que hacen que sientas la felicidad por un momento hasta que te encuentras de lleno en la tristeza con preciosas canciones de desamor como Trust o Apart. Un disco para reir, llorar y soñar…

Lo mejor: From the edge of the deep green sea: una canción que crece y crece y crece... hasta llegar a un climax de absoluta intensidad
Lo peor: Wendy time, sobra en un conjunto de un nivel tan alto
Puntuación: 9,5/10

Wild mood swings (1996)

Tenía muy mal concepto de este disco, y la verdad es que no había vuelto a escucharlo hasta que empecé a escribir esta retrospectiva, y realmente es mejor de lo que creía. Es cierto que los singles eran de lo peor que han escrito nunca (The 13th, con sus mariachis y trompetas y la historia similar a Friday i´m in love, o Mint car ) y que la crítica y sus fans nunca han sido benévolos con este disco, pero en realidad tiene buenas canciones.
El fundamental problema es que quisieron aprovechar el enorme tirón de Wish y por comodidad o falta de inspiración hicieron una especie de clon, donde todas las buenas canciones de este tienen su continuación (así Mint car podría ser el nuevo High, Round & round & round el Doing the unstruck y Júpiter crash su Apart) pero sin superarlas en ningun caso. Por otro lado, entregan un disco muy inmediato donde se olvidan de sus intensas atmósferas y de la oscuridad, y donde existen demasiadas canciones con poco que decir (Strange attraction o Gone!)
Sin embargo podemos rescatar varias canciones que mantienen el nivel suficiente para haber podido ser incluidas en Wish, como las bellas Treasure, This is a lie o Bare, que cierra el disco, o Want, con su magnífica atmósfera y su comienzo instrumental que les sirvió para abrir su conciertos de su apoteósica gira de 1995.

Lo mejor: Want
Lo peor: The13th, un horror
Puntuación: 5,5/10

Bloodflowers (2000)

Ante el fracaso de crítica y público que significó Wild mood swings el grupo necesita varios años (con recopilatorio de por medio) para volver a recuperar la inspiración de sus grandes discos anteriores, y lo hacen de una manera magitral. Bloodflowers se hermana en palabras de Robert Smith con Pornography y Disintegration formando una trilogía imaginaria que dio lugar a unas sesiones recogidas en el DVD Trilogy, en el que durante tres días consecutivos tocaron cada uno de estos discos íntegramente, un espectáculo para los afortunados.
Lo que este disco tiene en común con aquellos es otra vuelta hacia las canciones oscuras, complejas, de larga duración y sin estribillos en donde la melancolía y la tristeza son otra vez el nexo de unión en un disco con gran unidad formal donde las guitarras hirientes son las protagonistas (Watching me fall, más de 11 minutos de dolor). Aunque hay lugar para las canciones alegres (Maybe someday) casi la totalidad del disco refleja de nuevo el dolor, el miedo y la falta de esperanza de forma estremecedora (Ese gran final con Bloodflowers : “Never fade never die, you give me flowers of love Always fade, always die, i let fall flowers of blood”

Lo mejor: Bloodflowers, The last day of summer: como relatar el fin de algo de manera tan bella y triste
Lo peor: Pasó algo desapercibido por falta de promoción (no hubo videoclips) y puede parecer un disco menor en su biografía
Puntuación: 8,5/10


The Cure (2004)

De este disco dice Robert Smith que si no te gusta entonces es que no te gusta este grupo. Pues bien, no estoy en absoluto de acuerdo con él, ya que a mi no me gusta este disco y creo que soy una gran fan suya… Es cierto que este disco suena totalmente a The cure, pero es como si una banda tributo supiese perfectamente como debería sonar un nuevo disco de The cure pero sin ser ellos. Llamar a un disco directamente The cure después de 11 discos nos demuestra que hay mucha autocomplacencia. Cada una de las canciones de este disco está inspirada en canciones de todos sus discos anteriores pero falta la esencia del grupo, no hay sinceridad y sí falta de intensidad. Así Lost les acerca a Pornography, Laberynth a Faith, Befote three a Wish o Anniversary a Disintegration por poner algunos ejemplos. Un disco muy bien ejecutado pero sin alma. Aun así podemos encontrar buenas canciones que nos dan un poco de esperanza en el futuro del grupo, como su primer single o Going nowhere, canción que cierra el disco en donde podemos encontrar sentimientos sinceros.

Lo mejor: Going nowhere
Lo peor: la incertidumbre sobre su nuevo trabajo: ¿Es esto con lo que tendremos que conformarnos a partir de ahora?
Puntuación: 5,5/10

Nota: para completar su discografía no debeis dejar de escuchar su caja "Join the dots" con rarezas y caras B. Entre las canciones de sus 4 discos se podrían hacer otros dos grandes discos de The cure

“SONGS OF MASS DESTRUCTION”: ANNIE LENNOX NO ENCUENTRA LAS CANCIONES

Siempre tengo muchas esperanzas puestas en cada nuevo trabajo de Annie Lennox. ¿Por qué? No lo sé. Tal vez tenga algo que ver que me gusta su aspecto, su cara, su voz. Y eso que “Eurythmics” no es una banda que me ve vuelva loco, aparte de las cuatro o cinco canciones que nos gustan a todos. Artista poco prolífica, acaba de publicar su cuarto trabajo en solitario en quince años.

A pesar de la ilusión con la que espero cada uno de sus nuevos CD’s los años no me han deparado mas que una desilusión detrás de otra. Ni “Diva”(1992), ni “Medusa” (1995), ni “Bare” (2003), dejaban de ser álbumes irregulares en el que apenas destacaban tres o cuatro canciones en cada uno de ellos. De su reunión con Dave Stewart hace pocos años mejor ni hablamos.

Sin embargo yo insistía en decirme a mi mismo “esta vez sí”. Pero lo cierto es que ocurre lo mismo con su nuevo trabajo. “Songs of mass destruction” no deja de ser una impersonal sucesión de temas que no terminan de enganchar y que me parece imposible que entusiasmen, ya que apenas funcionarían como hilo musical de cualquier sala de espera. Por si fuera poco, algunos de los temas podrían haber sido escritos perfectamente para el próximo disco de Anastasia o divillas de saldo de ese palo. Tienen esas molestas bases blues-soul-pop de tercera gracias a las cuales la cantante norteamericana ha despachado unos millones de discos a todos aquellos a los que ni les gusta el blues, ni el soul, ni el pop. Tamizado además por un cierto tufillo ochentero en los arreglos que no viene a cuento (como ejemplo ahí están “Love is blind” y “Ghost in my machine”, los peores cortes del álbum y que provocan ganas de borrártelo todo de inmediato del iPod antes incluso de escucharlo entero).

Otra cosa que deberían explicarme detenidamente es el apartado de la producción. Como se puede contar con Madonna, Beth Gibbons, Pink, Beth Orton, Faith Hill, Isobel Campbell, KD Lang, Martha Wainwright, etc para que te hagan los coros en una canción (“Sing”) y estar tan desaprovechadas, ya que apenas se reconoce en ningún momento la voz de ninguna de ellas. Vamos que si te dijeran que la canción la ha grabado en una gala de Factor X con los concursantes, te lo creerías. Es como alquilar una limusina para meterla en la plaza de garaje. Aunque bien pensado tal vez salgamos ganando, sobre todo si tenemos en cuenta que Shakira y su voz angelical pasaban por allí y es una de las invitadas, así que vamos a dejarlo mejor así, que todo es susceptible de empeorar...

Por suerte no todo iba a ser malo. Cuando Annie se pone delicada y luce su voz, la cosa mejora considerablemente. “Dark road”, “Lost” o “Through the glass darkly” tienen la elegancia y el savoir fair que esperamos de ella y un poso de tristeza que salvan el conjunto. Lástima que no decidiera seguir por este camino.

Al final nos queda el consuelo de que si enlazamos las buenas canciones que nos ha ido dejando en sus cuatro trabajos en solitario, quince años después tendríamos finalmente un gran disco de Annie Lennox. Más vale tarde que nunca.

LO MEJOR; su carisma presente en los buenos y en los malos momentos.
LO PEOR; que sus discos no molen tanto como ella.
CALIFICACIÓN; 5/10.

LA VIDA DE LOS OTROS: CUANDO EL CINE SE CONVIERTE EN SÉPTIMO ARTE

Aunque aún sigue en cartel en algunos cines (en Madrid en los Renoir de Plaza España) ya podéis ver en DVD “La vida de los otros” (Das leben der anderen) escrita y dirigida por el alemán Florian Heckel Von Donnesmarck. Gran triunfadora de los Premios de Cine Europeos 2006 y ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa de ese mismo año.

Esta cinta de guión impecable, sorprende, entretiene y conmueve, algo que se puede decir de muy pocas películas.

La vida de los otros se ambienta en la República Democrática Alemana en los años 80 en la que la policía secreta del régimen comunista, Stasi, espiaba a los intelectuales del país para evitar la opiniones contrarias al pensamiento establecido.

Un punto de partida que puede resultar manido se convierte en un perfecto lugar del que arrancar para contar una historia fascinante y realizar un film enorme que va mucho más allá de ideas políticas, críticas a la censura o exaltación del arte.

Un magnífico trío de actores interpretan sin afectaciones uno de los guiones más perfectos del cine contemporáneo: Sebastián Koch en el papel de escritor espiado, Martina Gedeck interpretando a la actriz y novia del escritor y Ulrich Mühe, en el papel del militar Gerd Wisler, cuya interpretación es capaz de sobrecoger al espectador menos receptivo.

Un poema filosófico honesto y sin pretensiones. Una joya que nadie se debe perder.

UN MERECIDO PREMIO PLANETA PARA JUAN JOSÉ MILLÁS

Papel Mojado de Juan José Millás fue uno de los primeros libros no infantiles que leí cuando sentí que había dejado de ser un niño, a los doce o trece años (el otro fue Otras voces, otros ámbitos de Truman Capote pero esa es otra historia) por eso le tengo y le tendré siempre un cariño especial.

Su manera de narrar la cotidianeidad de un modo a veces surrealista y la efectividad de su lenguaje han venido ocupando periódicamente mis horas de lectura. El desorden de tu nombre, Tonto, muerto, bastardo e invisible, Dos mujeres en Praga pero sobre todo La soledad era esto (merecedora ganadora del premio Nadal) son títulos que se han grabado en mi memoria y que elegía inconscientemente como modelo para escribir.

Colaborador habitual de “El País” Millás ha seguido presente en mi vida permanentemente, regalando, de tanto en tanto, algún artículo mucho más que digno de mención.
Por todo esto me alegro de este premio Planeta que ha ganado con su autobiografía novelada titulada “El mundo”.

Enhorabuena Juan José.

“DEXTER”, LA BRUTALIDAD DE LA VIDA COTIDIANA

Basada en la novela de Jeff Lindsay, "Darkly Dreaming Dexter", nos llega de los USA, “Dexter”, serie de TV protagonizada por Michael C. Hall, al que podemos recordar por interpretar al hermano gay y neurótico de “A dos metros bajo tierra. La serie parece ser que se emite en España a través de Fox, y que Cuatro la tiene en su catalogo de inminentes estrenos.

Dexter es un forense de Miami, pero que tiene un pequeño secreto. No es otro que su incontrolable impulso por matar. En el episodio piloto se nos explican los inicios de tal pulsión. Dexter fue un niño adoptado y aparentemente feliz y querido. Sin embargo de la noche a la mañana, y sin motivo aparente le coge el punto a cargarse a los animales de compañía de los vecinos. Con los años, como es lógico matar ardillas y demás fauna no le basta, por lo que comienza a foguearse con el cartero, el repartidor de periódicos y con el primero que pasa por el barrio. Su padre, de profesión policía comienza a atar cabos. Y unos años más tarde, después de fracasar en sucesivas terapias y resignado a las tendencias psicópatas de su hijo adolescente, encuentran la forma de canalizar de la forma menos brutal posible esa necesidad. En vez de asesinar a inocentes al azar, Dexter se convierte así de pronto en un justiciero. Allí donde no puede llegar la justicia, “Dexter” ejerce la suya. De forma que en los primeros capítulos presenciamos los desmembramientos de pederastas, violadores y demás fauna.

Lo más interesante no obstante no son esas noches de cacería. Si por algo llama la atención la serie es por la interrelación que establece su protagonista, con todo su aislamiento emocional y su personal código ético, con su entorno, ya sea su hermanastra policía, sus jefes, y sobre todo su novia, maltratada y vejada durante años por su ex marido, y que quedó tan traumatizada que no quiere practicar sexo con el protagonista, lo que convierte a ojos de Dexter en perfecta la relación, ya que tal y como explica en un momento dado, el sexo le parece un acto carente de dignidad y absolutamente vulgar.

Después de ver un par de capítulos he sacado algunas conclusiones:

1ª Michael C. Hall es el actor idóneo para protagonizarla. Uno no sabe si sentir atracción o repulsa ante su rostro. Está mas cerca de la repulsa, pero se atisba en el ese extraño atractivo que suele cristalizar o bien en cuanto te tomas un par de copas o bien si estas necesitado de, ejem, afecto. El actor pone de por medio la suficiente distancia con el personaje como para que resulte irónico y desapegado, pero a la vez lo defiende con convicción.

2ª La aparición de un adversario para el protagonista que además conoce sus aficiones le puede dar un poco de aliciente al asunto que amenazaba con estancarse desde el principio, una vez superada la sorpresa inicial.

3ª El rollo vengador nocturno no mola nada. Preferiría que el protagonista fuera un psicópata sin más. Que se cargara al primero que pasara por la esquina por que sí. No me gusta la coartada moral tras la que se esconden las motivaciones del protagonista. Más que nada porque me sigue pareciendo bastante inmoral e injustificable, pero da la impresión que de esta forma se alivia la mala conciencia de los espectadores.

4ª Después de CSI Miami (Corrupción en Miami ya queda un poco lejos), da un poco de pereza ver otra serie que transcurre en la misma ciudad, con esos neones horteras, las playas de siempre y sol a todas horas, aunque aquí abundan las escenas nocturnas. Tal vez en una ciudad más fría tipo Boston o Chicago conseguiría que nos metiéramos más en la trama. Para mí, por lo menos es importante.

5ª Los personajes secundarios no son prototipos, claro que casi nada en esta serie parece cortado por un patrón. La hermana ambiciosa pero definitivamente fracasada me cae bien. A la jefa aún no la tengo calada. La novia es sin duda el personaje con más posibilidades. Esa madre divorciada, con pánico a las relaciones sexuales después de años de sufrir abusos es un filón. Apuesto a que acabaran matando unidos, en plan Bonny and Clyde.

Resumiendo, que dudo que me vaya a enganchar a la serie. Más que nada porque nunca me engancho a ninguna. Requiere demasiado tiempo y dedicación. Pero para los seguidores de las series americanas resulta cuanto menos una propuesta fuera de lo habitual, al menos sobre el papel.

THE CURE, RETROSPECTIVA (I)

Hoy deberían haber salido las entradas para el concierto que The Cure van a dar en Madrid en marzo del año que viene, y no han salido!!! No puedo evitar mi excitación ante un nuevo show de uno de los grupos más grandes del mundo, por ello he decidido hacer una crítica de su discografía. (la segunda parte en breve...)

Boys don´t cry (1979)

Aunque su primer L.P. en realidad es Three imaginary boys, yo prefiero hablar de este disco (que es una reedición realizada para el mercado americano) ya que en él se incluye la canción Boys don´t cry, auténtico primer gran single del grupo (y una de las canciones que más hemos bailado en nuestras fiestas)

Se trata de un disco muy influenciado por el post-punk y la new wave inglesa, con canciones cortas, directas y luminosas, con un sonido muy amateur en donde sobresale la característica voz de Robert Smith. Un buen disco de debut en el que se deja entrever que The cure son únicos en su especie.


Lo mejor: Boys don´t cry, Killing an arab
Lo peor: Todavía no tienen muy claras sus señas de identidad
Puntuación: 6/10


Seventeen seconds (1980)

El inicio del disco con A reflection deja claro el cambio de rumbo en el sonido del grupo: las canciones alegres y directas de su debut dejan paso a atmósferas cargadas de intensidad y la oscuridad se va apoderando de ellos. La batería marca el ritmo de una voz que nos susurra que algo no anda bien, aunque aún hay esperanza en sus canciones. Comienza la etapa más oscura de The cure, una trilogía que alcanzará el climax en Pornography. En este disco se encuentran alguno de los temas más apreciados por sus mas acérrimos fans y que nunca han dejado de tocar en sus conciertos, como Play for today, At night y por supuesto A forest, enorme canción que les hace convertirse en abanderados del movimiento siniestro a pesar de que ellos nunca se hayan sentido realmente identificados.


Lo mejor: A forest y Play for today, una canción que en concierto se vuelve sublime
Lo peor: Aún les falta un poco de madurez
Puntuación: 8/10


Faith (1981)

Se continúa el camino iniciado con Seventeen Seconds, las atmósferas se vuelven más opresivas e inquietantes, pero las melodías están más depuradas que en su antecesor. La batería dirige el ritmo de unas composiciones que se alargan y se intensifican. La fe, la rabia y la muerte están presentes en todas las canciones de una manera reposada y sin estridencias. La tristeza es el leiv motiv del disco: “I went away alone with nothing left but faith”

Es un disco muy homogéneo, donde no hay un single claro, pero en el que todas las canciones mantienen un nivel muy alto.


Lo mejor: The funeral party: en el dolor también hay belleza
Lo peor: no hay ningún hit como en su antecesor, puede sonar un poco lineal
Puntuación: 7,5/10


Pornography (1982)

El estilo sonoro comenzado en Seventeen seconds y depurado en Faith termina de manera sublime en este disco. Ya no hay lugar para la esperanza, solo para el miedo, la locura, el dolor y la soledad. La tristeza se convierte en angustia y desesperación. Las guitarras lloran, el bajo produce heridas en el alma, la batería se arrastra como los pasos de alguien que lleve una pesada carga sobre sus hombros, y la voz de Robert Smith es un lamento. La intensidad se vuelve insoportable por momentos…
Nos encontramos ante la primera obra maestra del grupo, un disco contundente y homogeneo plagado de grandes canciones como The figurehead, One hundred years o A strange days por poner algún ejemplo, con un final apoteósico e inquietante donde se escucha la voz de Robert sobre una base sonora que invita a la locura:“I must fight this sickness, find a cure”.Un disco imprescindible

Lo mejor: The figurehead, seis minutos de absoluta intensidad
Lo peor: El estado en el que te encuentras después de escucharlo
Puntuación: 10/10


The top (1984)

Estamos a mediados de los 80, y el mundo quiere divertirse. The cure se encuentran exhaustos después de su trilogía oscura y deciden cambiar radicalmente de tercio. El problema es que no encuentran la inspiración y facturan el peor disco de su carrera. Canciones tontas sin ningún hilo en común que no quieren trascender pero que tampoco consiguen divertir. Tendrá que pasar un año para que The cure consigan realizar perfectas canciones pop.





Lo mejor: The caterpillar, por tener alguno de lo ingredientes que tanto éxito les dará en el futuro. Que este disco haya sido necesario para aprender de sus errores
Lo peor: Todo lo demás
Puntuación: 2/10


The head on the door (1985)

Solo ha pasado un año de The top, pero aquí si que hay inspiración a raudales. The cure escriben dos de sus canciones pop más perfectas de toda su discografía: In between days y Close to me, pero la casi totalidad del disco no le va a la zaga a estas canciones.
Hay lugar para la felicidad y la alegría (Push), pero también para la tristeza, la belleza y el amor (A night like this), incluso para la experimentación (The baby screams). Un gran disco Pop





Lo mejor: Close to me, con ese fantástico video
Lo peor: The blood; La isla bonita de The cure?? No!!!
Puntuación: 8/10


Kiss me, kiss me, kiss me (1987)

Y aún más diversión!! The cure se vuelven ambiciosos, y nos entregan un disco doble en donde tienen cabida hasta los saxofones y las trompetas en canciones tan lisérgicas como Why can´t i be you o Hot hot hot. Pero este es sin duda el disco de Just like heaven, la perfecta (y una de mis preferidas de todos los tiempos) canción pop: tres minutos de felicidad absoluta. Entre el resto del disco podemos encontrar temas bellos (A thousand hours), temas buenos (Catch), regulares (If only tonight) y malos (Snakepit). Es lo que tiene hacer un disco de 18 canciones…




Lo mejor: sin duda, Just like heaven
Lo peor: Es un disco con grandes altibajos
Puntuación: 6,5/10

“EL ORFANATO”: CINE CONVENCIONAL CON ÍNFULAS

Me dan miedo las llamadas “películas acontecimiento”. Si además son españolas, se convierte en pánico. Y que duda cabe que “El orfanato” es el film español del año, el que todos debemos ver.

Con estos prejuicios nos metimos al cine. Y es que me parece muy provinciano este rollo. Es decir que consigan vendernos una correcta película de género como el acontecimiento cinematográfico del año. Y “El orfanato” no es más que eso, un film de género que no aporta nada nuevo, es decir, estética gótico-tenebrosa, una mansión que da mal rollo nada más verla y que además está encantada, puertas que chirrían, una protagonista que vence sus temores para resolver el misterio, una banda sonora que provoca el desasosiego que sus imágenes no consiguen transmitir, personajes aislados en un remoto paraje natural… os suena no?

Ahora bien, el cine español ha llegado a tal grado de estancamiento creativo, que pese a todas sus carencias, el film se alza cómodamente por encima de la medía de calidad que ofrece nuestra eternamente moribunda industria.

Estamos ante un film entretenido, tramposo y truquero en su justa medida, pero que confunde intensidad con imágenes embarulladas, mal resuelto (a mí me tuvieron que explicar el desenlace), correctamente interpretado y con un guión eficaz, nunca brillante.

Al contrario de lo que me ocurre con la música, al cine le pido un poco de sorpresa. Soy así de incoherente, que le voy a hacer. Si no existieran “Los otros”, El sexto sentido”, “Al final de la escalera”, “Peter Pan”, etc., de los que “El orfanato” bebe sin complejos, entendería el revuelo que está provocando.

Lo que ocurre con esta película, al igual que en años anteriores con “El laberinto del fauno” o “Mar adentro”, no es otra cosa que el resultado lógico de formar parte de una industria endogámica, mediocre, en permanente estado terminal y donde el tuerto es el rey de los ciegos. Una cinematografía que pretende vendernos una botella de sidra El gaitero como si fuese un Dom Perignon.

LO MEJOR; no aburre, es eficaz y no es larga. Llamar Pepe y Watson a los amigos imaginarios del hijo.
LO PEOR; carece de voz y de imaginería propia, así como del aliento épico de los mejores films del genero. Y sobre todo su exageradísima campaña promocional que invita a odiarla.
CALIFICACIÓN; 5,5/10

MARY ONETTES, MÁS ALLÁ DE LAS REFERENCIAS

Confieso que he querido que esperar un poco a escribir una reseña de este álbum. ¿Por qué? Sencillamente porque “Mary Onettes” es uno de esos álbumes que te abruman por su brillantez desde la primera vez que te lo pones, de manera que quería darme tiempo, y comprobar si pasadas las primeras escuchas, sentía la misma euforia y emoción cada vez que sonaba “Henry”, “Lost” o “Pleasure Songs”.

Segundo, en esta reseña no voy a nombrar ni a una sola banda que pueda haber influido, y que realmente lo han hecho, en el poderoso sonido que muestran los suecos en su primer álbum. Me aburre mogollón el rollo “Keane-imita- a Coldplay-que imita a -Travis”, o “Los Strokes suenan a la Velvet, los Ramones o Televisión y no hacen nada original...” A mi lo único que me importa es que la banda de Rice Oxley le da sopas con ondas a la del pesado de Chris Martin, y que la de Julian Casablancas son una de las mejores de los últimos 20 años.

Dicho esto, y volviendo a Mary Onettes, han conseguido grabar un álbum con diez canciones sencillamente deslumbrantes, que siempre me ha parecido más lógico que grabar un disco, con diez temas buenos y cinco de relleno. Tienen un sonido exuberante, resplandeciente pero a la vez con una atmósfera turbia, como enrarecida y con un aire evocador y de misterio (ejemplo, “The Laughter”), que lo hacen irresistible.

Es una lástima que tocaran por primera vez en Madrid, apenas un par de días antes de escuchar el álbum por primera vez. Solo nos queda confiar en poder escucharles de nuevo en directo en pocas semanas, ya que por lo visto causaron muy buena impresión. De momento nos dejan uno de los mejores trabajos del último año.

Lo mejor; Que hacen melodías que no te sueltan en todo el día, y que las visten con unos arreglos electrizantes, en serio.

Lo peor; Que haya quien les pueda considerar una banda menor, por tener múltiples influencias. Como si eso fuera negativo....

CALIFICACIÓN; 8,5/10

EN LA CIUDAD DE SYLVIA: LA INMADUREZ DE JOSÉ LUIS GUERÍN

No entiendo por qué Jose Luis Guerín se empeña en llevar al cine el tedio de la vida ¿cotidiana? Ya tenemos bastante con no poder evitar el aburrimiento en la realidad como para acudir al cine a por un poco más. Puede que a los dieciséis años me hubiese fascinado esta película, antes de tragarme todas y cada unas de las verdaderas joyas (y de las que no lo fueron) de la “Nouvelle vague”, pero hoy por hoy hace falta mucho más que ¿emociones contenidas? para mantener al espectador despierto. A veces la lentitud y la belleza se convierten en obras de arte (In the mood for love de Wan Kar Wai o cualquiera de los cuentos de Rohmer) a veces incluso sólo la belleza puede resultar suficiente (Maria Antoinnete de Sofia Coppola) pero en éste caso ni la belleza de Xavier Lafitte ni la de Pilar López de Ayala, ni las calles de Estrasburgo son suficientes para mantener la mente del público en el contenido (inexistente) de éste film y no queda más remedio que acabar contando las veces que se puede leer en las fachadas de la ciudad Laure Je T’aime o molestarse en buscar el origen de la música siempre diegética. Por muy en el humor que se esté para ver un film lento e intimista a los diez minutos de En la ciudad de Sylvia, el espectador reza porque el protagonista se tire de una vez a uno de esos tranvías (que obsesionan al cineasta) y termine con ese tormento de película. Le recomiendo a Guerín que la próxima vez que se disponga a rodar se siente antes a escribir un guión.

DOLCE & VENEZIA

Os dejo una de las fotos más bonitas que hizo Marian en nuestro viaje por Italia

GESLOTENMETER: WOODY ALLEN

En Gesloten nos gusta Woody Allen y hemos seguido toda su trayectoria con interés. Sus films son un género en sí mismo. Las tiene muy, pero que muy buenas, buenas y flojillas:

1. Annie Hall (1977); porque reúne lo mejor de Allen: diálogos ingeniosos y afilados, situaciones cómicas brillantes y reflexiones acerca del ser humano sin adoctrinar.... ah y por Diane Keaton.
2. Sueños de seductor (Herbert Ross, 1972); escrita, que no dirigida por el. Pero es 100% Allen y una de las películas mas divertidas que recuerdo haber visto... ¿He mencionado ya antes a Diane Keaton?.
3. Misterioso asesinato en Mannhatan (1993); comedia detectivesca llena de encanto, estilo, y talento. Ideal para superar un día triste.
4. Balas sobre Broadway (1994); porque es una bofetada a todos aquellos que van por la vida dándose aires, y con actitud y pose de artistas pero carecen de cualquier tipo de talento (si, como todos esos que ya sabemos…).
5. Hannah y sus hermanas(1986); por su habilidad para combinar comedia y drama. Una película muy emocionante, con un reparto en estado de gracia ( Dianne Wiest, Mia Farrow y Michael Caine a la cabeza).
6. Septiembre (1987); es un dramón con vocación teatral. Transcurre íntegramente en una casa de campo durante el último fin de semana del verano. Muy dura.
7. La última noche de Boris Grushenko (1975) ; es su comedia más alocada, con un gag tras otro, y todos disparatados.
8. Match point (2005); un giro de 180º en su carrera. Drama que no solo bebe de grandes clásicos (la magnifica “Un lugar en el sol” a la cabeza), sino que les puede mirar sin complejos de tú a tú.
9. Interiores (1978); cuesta entrar un poco en la película por culpa de la poca naturalidad de los diálogos. pero visualmente es de una belleza indiscutible.
10. Desmontando a Harry (1997); probablemente es su película más ácida y sarcástica.

-1. La comedia sexual de una noche de verano (1982); es perfectamente olvidable. Una obra menor en toda regla.
-2. Zelig (1983); la idea es aparentemente buena, pero se agota a los 15 minutos.
-3. Días de radio (1987); un homenaje a los días de su infancia, sin más hilo argumental que varias anécdotas carentes de interés.
-4. Granujas de medio pelo (2000); comedia de atracos. Empieza bien, pero en cuanto fracasan en su intento de atraco al banco su humor roza lo obvio.
-5. Todos dicen I Love You (1996); un musical de Woody Allen?. De ninguna manera.
-6. Celebrity (1998); tan superficial como el mundillo cuya banalidad pretende criticar.
-7. Poderosa afrodita (1995); ese coro griego, y Helena Bonham Carter, no hacían presagiar nada bueno, y las previsiones, claro, se cumplen. Una lata.
-8. Un final made in Hollywood (2002); un película que no molesta, pero con clichés mil en su mirada a la industria del cine.
-9. Acuerdos y desacuerdos(1999); por un Sean Penn sobreactuado, y un guión sin chispa. Confieso que me dormí viéndola.
-10. Que tal Pussycat? (Clive Donner, 1965), hay pocas cosas peores que una comedia sin gracia. Escrita, aunque no dirigida por Allen.


Para interesados en su filmografía, vida, milagros etc. pinchad aquí.

ITALIA

Roma città aperta

Vista de la ciudad

Lejos de los ojos, no del corazón. (mensaje de un romano a su enamorada)

Fotografía realizada por Marian

La otra cara de la Fontana de Trevi

Ostia Antica, a veinte minutos de Roma

A mí me sucede con Roma lo mismo que a Lady Foster le ocurre con Helsinki, desde la primera vez que fui me sentí como en casa. Este verano me ha pasado lo mismo y es que es tan “bella” que, como se suele decir, “no basta una vida para verla”. Lo mejor de Roma es su luz, pasear sin rumbo por las calles y entrar en cualquier lugar porque no hay un solo rincón en Roma que no sea precioso ya sea por decadente o por ostentoso. Casi todas la iglesias están construidas sobre antiguos templos paganos (de éste modo aprovechaban la magnífica construcción y demostraban el triunfo de la iglesia cristiana). La mezcla de estilos de diferentes épocas es una constante en los monumentos romanos y la brutal belleza de los interiores de cada templo provoca irremediablemente la ansiedad de poder aprehender tanta magnificencia.
Ojo a la hora de visitar monumentos porque cierran cuando les da la gana
Catacumbas: abren a las 9 y cierran a las 12 porque ellos lo valen.
Termas de Caracala cerraron un martes por la tarde sin previo aviso porque habían abierto todo el lunes.
Puerta de la Veritá. Cuando fuimos cerraron a las 17.50 una hora un poco rara ¿no?

Hay tres zonas en Roma por las que se puede salir por la tarde-noche. El Trastevere, es la que tiene el ambiente más típicamente romano. Hay miles de restaurantes donde se puede cenar bien y barato y bastantes bares que abren hasta las tres.
Campo di fiori. Para mí tiene mucho más encanto que Trastevere, también hay mil bares y restaurantes. Cierra todo a las dos y media, tres.
Alrededores de Piazza Navona. Es del estilo de Campo di fiori (está al lado).
Hay una zona que cierra más tarde, Testacio a la que van todos los que no quieren irse a casa después de emborracharse en Trastevere.
Lo mejor de Roma: la sensación de estar en casa
Lo peor: lo pesados que se pueden poner los romanos

Venecia

Gondoleros de Venecia. Fotografía realizada por Marian

Atasco de góndolas

Venecia de noche

Es tan insultante para esta ciudad que se diga que Ámsterdam es la Venecia del norte de Europa…Venecia es, simplemente indescriptible, incomparable. Es una ciudad viva, una ciudad que se mueve, no un escaparate para turistas. Es una ciudad única en el mundo. Venecia transporta en el tiempo. La ausencia de coches y el gran bullicio de gente la hacen parecer un mercado de otro tiempo.
Lo mejor: transmite una paz inmensa, incluso a altas horas de la noche en cualquier callecita pequeña y oscura se respira tranquilidad (y no miedo como en la mayoría de los lugares)
Lo peor: no hay nada de marcha.

Florencia

El Duomo. Fotografía realizada por María

Vistas desde el Duomo. Fotografía realizada por María

Vista desde el Ponte Vecchio














No puedo entender como a Stendhal le dio el síndrome que lleva su nombre en ésta ciudad. Florencia es hermosa, por supuesto, pero carece de la magia y la belleza brutal de otras ciudades como Roma o Venecia. Para mi lo mejor de Florencia está en la plaza del Duomo y es la Cathedral (pero me refiero al bar no a la maravillosa construcción arquitectónica) se puede escuchar buena música o salir a la terraza y emborracharse de alcohol y de la belleza del Baptisterio y del Duomo. Hay otro bar camuflado como sociedad deportiva que abre hasta las seis de la mañana. Para que digan que sólo hay marcha en España.
Lo mejor: su gente.
Lo peor: el acento de su gente.


Nápoles

El encanto de Nápoles reside en su propia decadencia. Es una ciudad vieja, destartalada y salvaje, y por todo ello, maravillosa. El calor y la humedad este verano eran insoportables pero es tan arrebatadoramente vital que engancha. Tiene las mejores pizzas de Italia y calles llenas de vírgenes en las fachadas de las casas, ropa colgada de de casa a casa…brutal.
Lo mejor: la vida que se respira
Lo peor: la humedad y el calor que no dejan respirar